Morts Suspectes

(Coma)

Film de Michael Crichton (1978), avec Genevieve Bujold, Michael Douglas, Elizabeth Ashley, Rip Torn, Richard Widmark, etc...

Avant de devenir le romancier à succès que l'on connaît (Jurassic Park, c'est lui), Michael Crichton a été un réalisateur fichtrement intéressant. Ses films, axés pour la plupart sur un contenu technologique toujours très stimulant, sont des thrillers dont la modestie n'a d'égale que la réussite artistique. Crichton ne prétend pas réinventer le cinéma, il a juste proposé en quelques œuvres un itinéraire très original qui en fait d'office l'un des chouchous du Strapontin. Retour sur son second film, le formidable et méconnu Coma.

Lorsque Crichton réalise Coma, il a déjà à son actif la belle réussite qu'est Mondwest, un projet high profile de la MGM, qu'il dirige pourtant avec de tous petits moyens. Le film cartonne au box-office, mais il faudra attendre 4 ans avant que le réalisateur ne retrouve le chemin des studios. Coma est un projet cousu main: le livre, signé Robin Cook est un gros succès en librairie, la MGM ne prend donc pas beaucoup de risques en produisant le film avec un budget modeste.

 

Pourtant, avec le recul, Coma était vraiment bâti sur mesure pour Crichton. Tout simplement parce qu'avant sa carrière de romancier, il a débuté comme médecin, et que le film lui offre donc la possibilité de décrire avec réalisme le cadre hospitalier. Un atout certain lorsqu'il s'agît de renforcer la crédibilité d'une histoire qui commence de manière conventionelle, puis dérape petit à petit vers le fantastique. En ce sens, Coma est impeccable dans sa manière de planter son décor et ses personnages, de décrire sans réellement s'y attarder les différentes luttes d'influence qui gouvernent un grand hopital.

Le film obéit à une logique très Hitchcockienne, avec une progression dramatique lente mais terriblement efficace. Le spectateur s'identifie au personnage principal, le Dr Susan Wheeler (Geneviève Bujold), dont l'attention va être attirée par certaines anomalies d'abord bénignes, puis de plus en plus suspectes, alors que ses supérieurs tentent de la dissuader d'enquêter. Coma se place alors d'emblée dans un courant de cinéma de la paranoïa, très en vogue à la fin des années 70, avec des films comme Les Hommes du Président. C'est le portrait d'une Amérique qui commence à douter de ses institutions, même de celles qui sont censées être les plus fiables.

La grande réussite de Coma, c'est que son suspense s'enracine dans une situation parfaitement banale, à laquelle n'importe quel spectateur peut être amené s'identifier: la peur qu'une banale intervention tourne mal. Ensuite, Crichton dose avec ingéniosité les différente ingrédients de la machination, laissant toujours le public prendre un peu d'avance mais pas trop. La mise en scène peut paraitre simple en apparence, mais elle endosse discrètement une formidable assurance. Les scènes obligées de poursuite ou de cache-cache acquièrent, au fur et à mesure, une grande efficacité.

Lorsque le film, dans sa seconde partie, assume pleinement son statut de thriller, il sait aussi se ménager quelques beaux écarts vers le fantastique. Le fameux Institut Jefferson, avec ses patients suspendus sous une lumière fluo, est une  vision à la fois bizarre et high tech, d'une puissance glaçante, assurément l'une des plus inhabituelles qu'on ait pu voir dans le genre. Elle rend, par comparaison, la révélation finale plus facile à accepter pour le spectateur.

Coma se termine sur l'inévitable séquence où l'héroïne, tombée entre les mains des méchants, devra leur échapper. Le suspense y est rondement mené et subtilement dosé par une réalisation sûre d'elle, aux effets simples et mesurés. Au passage, le film se permet une réflexion surprenante mais assez bien vue sur le pouvoir de la médecine, remarquablement soutenue par la performance de Richard Widmark, qui n'est jamais meilleur que dans ces personnages mi-figue mi-raisin, dont on ne sait jamais si on peut réellement leur faire confiance.

Avec Coma, Michael Crichton passe allègrement l'épreuve du second film. Derrière des allures d'une apparente simplicité se cache un thriller redoutable, qui tire toute sa force d'un scénario ingénieux, soigneusement enraciné dans un quotidien parfaitement crédible. Le type même du petit film qui, à force d'ingéniosité et de savoir-faire, possède largement de quoi en remontrer aux plus grands. Rudement épatant.

Arrêts sur Images
(Comme d’habitude, à ne lire qu’après avoir vu le film!)

Le Trombinoscope
Ca fera bizarre à certains de revoir Michael Douglas au tout début de sa carrière, avec sa coupe d'enfer, et se faisant gentiment voler la vedette par une Geneviève Bujold particulièrement impliquée, mais dont le physique de femme-enfant joue un rôle essentiel dans la crédibilité de l'intrigue. C'est l’un des meilleurs rôles de cette actrice trop sous-estimée et souvent mal employée. Parmi les autres, on note la présence de Rip Torn, toujours parfait dans des rôles un peu louches. Enfin, il est assez marrant de voir Loïs Chiles (future James Bond girl), Tom Selleck et Ed Harris dans des tout petits rôles, à leurs débuts. Selleck retrouvera Crichton quelques années plus tard pour Runaway, dont il tiendra le rôle principal.

Genevieve Bujold

Michael Douglas

Elizabeth Ashley

Richard Widmark

Rip Torn

Loïs Chiles

Tom Selleck

Ed Harris

Lance Le Gault

La découverte des indices
L'approche de Coma est résolument simple dans sa mise en scène, et le suspense nait finalement d'une mise en scène très réaliste qui dérive peu à peu et très discrètement vers le fantastique. Ainsi, les indices de la conspiration sont-ils dévoilés petit à petit. Lorsqu'il apparait que tous les soupçons se portent vers la salle d'opération OR8, Crichton les confirme lors d'une séquence où le Dr Wheeler épluche les comptes-rendus opératoires et relève ce détail. Le réalisateur cadre alors son visage en plans de plus en plus rapprochés et souligne discrètement la découverte à l'aide de quelques notes de musique.

 

L'intrusion du fantastique
Bien que s'appuyant sur un background on ne peut plus réaliste, Coma dévie petit à petit vers le fantastique. Michael Crichton repousse petit à petit la frontière entre les deux avec dans un premier temps des poursuites se déroulant dans des endroits volontairement irréalistes, comme le laboratoire d'anatomie et cette chambre froide où sont entreposés des cadavres suspendus.


 

C'est dans la séquence à l'institut Jefferson que cette approche est le plus directement assumée. L'imposant bâtiment qui a servi pour les extérieurs est l'ancien siège de la société Xerox, à Lexington dans le Massachusetts. Les intérieurs ont été recréés aux studios MGM à Culver City en Californie.

La scène dans la salle des corps suspendus a nécessité le concours d'une douzaine d'acteurs spécialement entraînés. En effet, compte tenu de la configuration des sangles de support, ils ne pouvaient rester accrochés que pendant une durée très limitée, six minutes au maximum.

 

Les couloirs déserts et étroits participent également à renforcer le sentiment d'étrangeté et de claustrophobie. La poursuite avec les gardes de sécurité établit quant à elle la structure labyrinthique de l'institut, faisant également écho à l'égarement du spectateur, qui ignore encore le fin mot de l'histoire.

 

La Musique

Première collaboration entre Michael Crichton et le compositeur Jerry Goldsmith, Coma est une véritable réussite, tant au niveau du concept musical que de son utilisation sur le plan dramatique. Tout d'abord, afin de renforcer le réalisme de la première partie, il n'y a aucune note de musique pendant les 45 premières minutes. La partition intervient lorsque le film dérape vers la paranoïa et le fantastique.

Goldsmith n'est jamais davantage à l'aise qu'avec ce genre d'atmosphères en demi-teintes où des accords dissonants font subtilement dérailler les mélodies. Fidèle à sa conception du design sonore, le compositeur type certains personnages à l'aide d'un bref motif musical (ici des effets d'écho pour accompagner le tueur qui menace Bujold). Le son de la partition, à l'instar du cadre de l'action, est très froid, avec un orchestre essentiellement composé de cordes, très influencé par la musique atonale de Berg ou Schoenberg, avec de solides parties de piano qui traduisent par à-coups les rares emballements de l'action.

Bien qu'elle soit plutôt difficile d'accès, la partition de Coma sera éditée au moment de la sortie du film, sur un 33 tours qui en propose l'essentiel. En 2005, elle sera rééditée dans une édition augmentée, à la pochette particulièrement moche, mais sur laquelle figure l'intégralité de la musique utilisée dans le film. Un CD toujours disponible sur le site de l'éditeur et qui constitue probablement ce que Jerry Goldsmith a pu faire de mieux dans le genre du thriller à suspense.

 

Match Point

Film de Woody Allen (2005), avec Jonathan Rhys-Meyers, Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Brian Cox, Matthew Goode, etc...

Les films de Woody Allen, c'est toujours un truc un peu à part. De notre temps (je parle là d'un temps que les moins de 20 ans ne peuvent pas connaître), Allen, c'était surtout un rigolo, qui signait des œuvres pleines de nonsense et d'absurde particulièrement régalantes. Et puis, avec Annie Hall, changement de cap: on bifurque vers des films plus matures, qui s'apparentent davantage à la comédie dramatique qu'au burlesque pur et simple. Depuis, bon an, mal an, le gars Woody nous envoie régulièrement son petit film annuel, et petit à petit, sa livraison périodique est devenue un genre en soi. Quand on va voir un Woody Allen, on sait ce qu'on va voir, même si les cuvées ne sont pas toujours aussi enthousiasmantes que par le passé, et si la critique a tendance à s'enflammer pour un oui pour un non dès qu'un film sort du moule que le réalisateur a soigneusement mis en place.

Matchpoint, justement, a été en son temps une petite révolution, car il faut bien reconnaître que le réalisateur avait rarement poussé aussi loin la rupture avec son genre de prédilection. Il s'agît d'une comédie noire, très noire, qui moque dans un premier temps les travers des bobos londoniens, en utilisant justement les constantes qu'Allen avait mises en place jusqu'à présent. Il y a des scènes de resto, des scènes dans des galeries d'art, dans lesquelles les personnages discutent inévitablement du sens de leur vie. Sauf qu'au bout d'un moment, tous ces éléments soigneusement mis en place vont petit à petit laisser place à une intrigue beaucoup plus noire.

On pense parfois à Crimes et Délits, ce Woody Allen atypique du début des années 90, mais pour la première fois depuis bien longtemps, le cinéma du réalisateur respire de sensualité. Avec le personnage de Scarlett Johansson, Matchpoint acquiert une dimension charnelle et érotique qui prouve qu'à 70 ans, Allen restait toujours vert. Ensuite, le film assume pleinement la noirceur de son sujet, et Jonathan Rhys-Meyer, dans le rôle principal, est parfait dans un rôle difficile. Son personnage devient prisonnier d'un système qu'il croyait maîtriser, avant d'avoir recours à l'extrême pour se sortir d'une situation dont il est devenu prisonnier.

Il y a du Bergman dans ce Woody Allen-là, tant la description des rapports humains, parfois violents, reste très froide et distante. En même temps, le réalisateur rend hommage à son auteur fétiche,  Dostoïevski, tant Matchpoint ressemble à une variation contemporaine de Crime et Chatiment. Seul bémol, on sent Allen pas très à l'aise avec l'intrigue policière. Malgré ses flics pittoresques, elle peine un peu à convaincre. Mais bon, ce n'est pas là le véritable sujet du film et le reste se tient suffisament bien pour qu'on passe finalement outre.

Cela n'entache pas, et de loin, la force de Matchpoint. Il fallait oser jouer sur les codes de son propre cinéma pour faire ensuite dévier son film vers quelque chose de totalement nouveau. Ce film de Woody Allen ne ressemble effectivement à aucun autre film de Woody Allen. Mais en filigrane, on y retrouve les thèmes chéris du réalisateur, ses obsessions qui, mélangées à une intrigue résolument sensuelle, finissent de faire de ce film l'une de ses œuvres les plus singulières, mais aussi une de ses plus brillantes.

58 Minutes pour Vivre

(Die Hard 2)

Film de Renny Harlin (1990), avec Bruce Willis, William Sadler, Bonnie Bedelia, Dennis Franz, Fred Dalton Thompson, etc...

Avec un carton aussi énorme, on se doutait bien que les producteurs du premier Die Hard n'allaient pas laisser leur poule aux oeufs d'or croupir dans un coin. Trois ans après, on prend donc (presque) les mêmes et on remet le couvert pour une suite qui, malheureusement, sera bien loin de retrouver les qualités de l'original...

A priori, on pourrait se dire qu'avec la même équipe créative, une suite peut parfaitement se mesurer à son prédécessur. Il faut croire que quelque part, ça ne suffit pas vraiment. Die Hard était un film d'action novateur où on réinventait le genre en lui injectant plusieurs éléments disparates qui au final se mariaient à merveille. Il y avait, surtout, un véritable metteur en scène à la barre: John Mc Tiernan, qui devait prouver avec ses films suivants un indéniable talent non seulement pour filmer l'action, mais également pour la mettre en valeur.

Pour ce second opus, les producteurs ont fait appel à Renny Harlin, un réalisateur finlandais qui n'avait à son actif qu'une des innombrables suite de la saga Freddy Krueger. Comme la suite de sa filmo l'a ensuite montrée, Harlin possède des qualités indéniables en matière d'action. C'est aussi un metteur en scène lourdingue, qui a souvent tendance à recourir à la violence gratuite pour étoffer une réalisation dopée aux amphétamines.

Car effectivement, ce Die Hard 2 est beaucoup plus violent que l'original. Les méchants sont vraiment très très méchants, et ils font du dégât, comme dans cette scène parfaitement gratuite dans laquelle ils provoquent le crash d'un avion de ligne. Non content de jouer avec une situation tout de même assez limite, Harlin a même le culot d'en rajouter dans le mauvais goût en montrant les futures victimes du crash qui flippent à l'approche de l'atterrissage. A l'époque, le film était d'ailleurs au centre d'une polémique où on accusait les blockbusters américains d'accumuler un peu facilement les morts. Le fait est que la violence dans Die Hard 2 ne sert pas l'intrigue. Elle n'est là que pour provoquer à bon compte l'indignation du spectateur et juste rendre les méchants un petit peu plus haïssables.

Le film est décidément bien loin du concept initial, puisque les personnages ne possèdent plus ce caractère pittoresque qu'ils avaient dans l'original. Même Bruce Willis, dans le rôle de Mc Clane, ne semble pas à son aise et se contente d'aligner des répliques soi disant cool qui ne sont en fait que de lourds clins d’œil au premier film. Le scénario, beaucoup plus lâche et moins charpenté, se résume à des poursuites et des fusillades, bref on est dans le schéma d'un thriller lambda, avec ses scènes à faire.

Die Hard 2 devient même un peu pitoyable dans la manière où il singe bêtement les grands moments de l'original. La séquence avec le siège éjectable, en plus d'être totalement irréaliste, est parfaitement ridicule et amenée de manière pataude, sans aucun sens de la construction dramatique. Le film assure son quota d'explosions et de feux d'artifice, mais sans que cela ne serve une intrigue ma foi assez mollassonne. Comme dans l'original, on mise sur le principe d'isoler un lieu public de l'extérieur, sauf qu'il y a tout de même des limites à la crédibilité, et qu'il faut quand même une certaine dose d'indulgence pour admettre le fait que des terroristes puissent carrément pirater la tour de contrôle d'un aéroport !

Mais bon, on est sur le terrain du film d'action, il ne faut pas se poser trop de questions quant à la vraisemblance. Ce qui sauve finalement ce Die Hard 2, c'est l'énergie de la mise en scène. Harlin ne fait pas preuve de subtilité, c'est sûr, mais sa réalisation est carrée et efficace. Ce second opus n'a ni l'humour, ni l'impact de l'original, mais il arrive malgré tout à sauver les meubles in extremis, et annonce finalement la débâcle future de la série. Assez paradoxalement, cette suite prévisible et conventionnelle cartonnera encore plus au box-office, allez comprendre ! Il faudra attendre le troisième épisode pour que la franchise Die Hard retrouve, l'espace d'un film, une certaine crédibilité.

Le Trombinoscope
Pas mal de revenants du premier film, mais Renny Harlin n'en fait pas grand'chose. William Atherton devient carrément ridicule avec son perso de reporter sans scrupules et Reginald Veljohnson fait de la figuration pour faire joli. Parmi les autres on reconnaîtra William Sadler (vu dans La Ligne Verte), mais également Dennis Franz et Robert Patrick, qui fût le T1000 de Terminator 2.

Bruce Willis

William Sadler

Bonnie Bedelia

Dennis Franz

William Atherton

Fred Dalton Thompson

Reginald Veljohnson

Robert Patrick

Vondie Curtis-Hall

Franco Nero

John Amos

Les Effets Spéciaux

On oublie allègrement le concept de la "réalité exagérée". Allons-y gaiement dans l'invraisemblance et l'hénaurme ! Die Hard 2 fait appel aux services d'Industrial Light & Magic, qui était à l'époque LA grosse boîte d'effets spéciaux, histoire de mettre en boîte les nombreuses séquences aériennes du film. Bien évidemment, comme à l'époque les techniques de combinaison optique étaient un peu rudimentaires, il y a quelques caches un peu trop visibles autour des maquettes, mais bon...

Il y a surtout plusieurs crashs aériens assez réussis (même si dramatiquement discutables), dont une explosion de 747, rien que ça.

Pour rivaliser avec les cascades extrêmes du premier film, on en a rajouté dans le n'importe quoi, témoin cette scène où McClane utilise un siège éjectable pour échapper à ses ennemis. Bruce Willis a été filmé sur fond bleu, et superposé à une explosion en miniature. Ce moment a été copieusement réutilisé dans les différentes bandes-annonce du film.

Le film est surtout resté célèbre pour avoir été le premier à utiliser digitalement la technique de la peinture sur verre (le matte painting). La peinture a donc été numérisée et on y a donc superposé divers  éléments filmés séparément. Le résultat n'est malheureusement pas à la hauteur de l'innovation technologique, la peinture est hélas un petit peu trop repérable. Les producteurs ont un peu botté en touche en utilisant le plan lors du générique de fin.

La Musique

Comme on pouvait s'y attendre après son excellent travail sur le premier épisode, Michael Kamen a repris du service pour la suite.

  UnCD sera édité au moment de la sortie du film, ce qui contentera pas mal de collectionneurs qui avaient été frustrés par l'absence d'édition du premier Die Hard. Bon, donc ce deuxième épisode, il est comment par rapport au premier ? Eh bien ma foi, le compositeur reste dans la lignée de ce qu'il avait déjà fait: c'est de la musique d'action hyper-efficace, bourrée de tonalités menaçantes et de crescendos plein de suspense.

Renny Harlin copie maladroitement John Mc Tiernan en casant un morceau de classique: dans le numéro 1, c'était la Neuvième de Beethoven, ici, c'est Finlandia, de Sibelius, et ça passe plutôt bien. L'album original faisait 30 petites minutes et représentait assez fidèlement la partition. Une édition complète a été publiée l'année dernière, avec l'intégralité de la musique utilisée dans le film, plus quelques prises alternatives... soit 2 heures en tout ! Si vous n'avez pas l'estomac trop fragile, vous pouvez toujours tenter le coup... à condition d'arriver à mettre la main sur cette édition DeLuxe, dont les 3000 exemplaires se sont vendus comme des petits pains !

Le Détective

(The Detective)

Film de Gordon Douglas (1967), avec Frank Sinatra, Lee Remick, Jacqueline Bisset, Ralph Meeker, Jack Klugman, etc...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Frank Sinatra en détective privé, ça se refuse pas ! Ah, ces bons vieux polars des sixties, pleins de clichés, avec leurs flics intègres, bien décidés à secouer le cocotier et à faire tomber les riches magouilleurs ! C'est clair que ça prête à sourire à l'heure actuelle, mais c'est toujours un grand plaisir que de se replonger dans ces productions. Quelque part, même si certaines situations ont déjà été vues et re-vues mille fois ailleurs (et parfois en bien mieux), c'est toujours bouclé avec professionnalisme et savoir-faire.

 

 

The Detective se distingue du lot par le fait qu'à l'époque, il se revendiquait déjà comme une vision réaliste de l'univers policier. Soit... Pas mal de polars et de séries TV sont passées par là depuis, et il faut dire que, vu à l'heure actuelle, le film paraît au contraire bien daté et pourri de poncifs. Néanmoins, il sait tout de même se différencier grâce à quelques petits détails. Il brosse notamment un portrait de femme assez touchant avec le personnage de Lee Remick, incapable de s'attacher à Sinatra parce qu'elle est nymphomane. Par rapport à la personnalité de crooner du gars Frankie, fallait oser ! Cela nous vaut donc une histoire d'amour plutôt atypique et assez bienvenue.

 

 

 

 

Le film ose également bousculer quelques tabous avec une enquête qui se déroule pour partie dans les milieux homosexuels. Ceci dit, ça reste quand même très caricatural, avec des boîtes gay couleur rouge flashy ou des échanges qui se passent à l'arrière de poids lourds, mais The Detective se tire plutôt bien d'une intrigue assez tortueuse dans laquelle il est question de coming out et de désirs refoulés. Par contre, le rythme très relâché du film pourra certainement en décourager certains, davantage habitués à la cadence speed des productions actuelles.

 

 

 

 

 

Sinatra au volant de sa voiture avec des transparences foireuses, ça devrait normalement vous plomber n'importe quel film. The Detective, avec tous ses défauts et sa réalisation impersonnelle, a certainement mal vieilli mais se regarde quand même. Pas un chef d'oeuvre mais un polar nonchalant et malgré tout solide.

 

 

 

 

 

 

 

Le Trombinoscope

Au Strapontin, on est un peu des fans de Lee Remick, donc forcément on aime bien le film, même si son rôle n'est pas très valorisant. Pas mal de tronches dans ce casting, dont Jack Klugman et Ralph Meeker. William Windom, dans un rôle court mais essentiel, est remarquable. Tony Musante en fait des caisses dans le rôle d'un homo déjanté qui anticipe un peu son personnage de The Incident. Enfin, Jacqueline Bisset reprend un rôle écrit au départ pour Mia Farrow, girlfriend de Sinatra à l'époque.

 

Frank Sinatra

Lee Remick

Horace Mc Mahon

Ralph Meeker

Al Freeman Jr

Jacqueline Bisset

Tony Musante

Robert Duvall

Jack Klugman

Lloyd Bochner

William Windom

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Musique

20 minutes de partition pour 2 heures de film: on ne peut pas dire que The Detective croule sous la musique. En même temps, Jerry Goldsmith a toujours été un adepte du less is more. L'accompagnement musical, quand il intervient, est toujours utilisé à des moments-clé et jamais  lorsque la scène est assez forte pour se suffire à elle-même.

 

 

 

 

 

 

Le compositeur, à l'époque sous contrat avec la Fox, signe ici le brouillon d'un de ses chefs d'oeuvre, Chinatown. L'utilisation du saxophone renforce le côté mélancolique et nostalgique de l'intrigue, et quelques effets d'écho accompagnent les différents flashbacks. La musique est souvent teintée très sixties, avec une guitare électrique parfois très en avant sur certains morceaux, un peu dans l'esprit de ce qu'il avait pu faire pour la série des Flint. La partition avait été éditée il y a quelques années dans le cadre du coffret Jerry Goldsmith at 20th Century-Fox, qui malgré son prix prohibitif est très vite devenu une pièce de collection. Il faut donc saluer son édition récente sur le label Intrada, où elle est couplée avec celle de Von Ryan's Express, un autre film avec Sinatra. Le CD est disponible sur le site de l'éditeur.

 

 

 

 

Enfin, pour la petite histoire, précisons que le personnage de Joe Leland, joué par Sinatra et créé par le romancier Roderick Thorp, reviendra dans une suite: un livre nommé Nothing Lasts Forever qui sera adapté pour l'écran des années plus tard sous le titre de ... Piège de Cristal ! (dont votre blog favori vous cause d'ailleurs ici même)

Hitchcock

Film de Sacha Gervasi (2012), avec Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Jessica Biel, Michael Wincott, etc...

Ah! Voilà un film qu'il était formaté exprès pour le Strapontin: un biopic sur Hitchcock, qui plus est au moment où il a tourné Psychose ! Ici, on n'est pas très chaud pour le genre de la bio filmée, mais il faut bien reconnaître que le sujet était sacrément tentant tout de même ! Quand on plus on nous dégotte Anthony Hopkins dans le rôle de Sir Alfred, que demander de plus ? Sauf qu'au final, Hitchcock s'avère être un film gentillet, anodin et parfaitement ordinaire.

Pourtant, il y avait largement de quoi faire ! Quiconque connaît l'histoire du développement de Psycho (détaillée ici même sur votre blog favori) sait que ce fût un pari commercial et artistique pour Hitchcock. Le film de Sacha Gervasi préfère se concentrer sur les frasques de sa femme, Alma Reville, courtisée par un playboy en carton, et loupe allègrement le coche d'un film qui aurait pu être passionnant. On voit finalement très peu du tournage de Psycho, mais on trouve quand même le moyen d'y caser des détails inexacts ou à côté de la plaque. Non, le réalisateur ne tenait pas le couteau lors du tournage de la séquence de la douche: simplement, Gervasi ne trouve rien de mieux à faire que de transformer la séquence en une lourde métaphore du combat d'Hitchcock contre les censeurs. On ne voit pas non plus grand'chose du film lui-même, pour des questions de droits (il s'agit d'une production Fox Searchlight, alors que l'original est distribué par Universal). Un peu frustrant quand même...

Hopkins, noyé sous les prothèses, assure le minimum et le casting pourtant solide ne fait pas franchement d'étincelles. La seule touche originale, c'est la manière dont le film met en scène la fascination du réalisateur pour le personnage d'Ed Gein, qui inspira directement le personnage de Norman Bates. Le fait en lui-même reste à confirmer, mais au moins cela apporte une petite touche d'inattendu dans un film globalement mou et dispensable.