LaLaLand

Film de Damien Chazelle (2016), avec Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Sonoya Mizuno, Rosemarie DeWitt, etc…

Je sais pas vous mais moi j'en ai bouffé, du LaLaLand en ce début d'année. Et que la critique en tartine un max sur les formidables qualités du film, et que les nominations à l'Oscar pleuvent littéralement (14 en tout, un record !) et que, bien évidemment, il rafle dans la foulée 6 statuettes, presque 7 s'il n'y avait pas eu cette bourde monumentale qui l'avait donné lauréat du meilleur film à la place de Moonlight. Bref, pour tout spectateur normalement constitué, et à moins d’émigrer sur Mars, c'était carrément l'overdose, la hype dans tout ce qu'elle a de plus gonflante et qui faisait de ce LaLaLand le film à fuir. 

C'était d'autant plus bêta que j'avais plutôt bien aimé le précédent film de Damien Chapelle, Whiplash (dont le Strapontin vous parle d'ailleurs ici). Parmi ses nombreuses qualités, j'avais été impressionné par la manière dont le réalisateur faisait vivre la musique, qui était un élément essentiel de l'intrigue. Donc forcément, à l'annonce d'une comédie musicale, on en salivait d'avance. Un enthousiasme pourtant un peu douché par une bande-annonce plutôt quelconque, qui ne faisait pas franchement envie. Alors que tout le monde applaudissait le grand retour de la comédie musicale, on n'était pas franchement convaincu ni emballé.

Mais bon, il faut toujours lutter contre ses aprioris, on a donc testé LaLaLand à froid. Déjà, ça commence plutôt mal avec un numéro musical pendant un embouteillage. La chorégraphie est sympathique, les comédiens s'en donnent à cœur joie... un seul souci, mais de taille : la musique ne suit pas. Aucune mélodie n'accroche vraiment l'oreille ni ne reste en tête, un peu gênant quand on voudrait révolutionner le genre, car l'intendance a du mal à suivre. C'est d'autant plus dommage que la mise en scène de Chazelle est habile et colorée, avec des décors pastel et des couleurs qui pètent mais sans faire dans le mauvais goût et des plans-séquences de malade propres à faire fantasmer les geeks cinéphiles.

C'est en définitive davantage l'alchimie entre les deux interprètes principaux qui emballe l'affaire. Ca et une peinture très bien vue du monde des petits comédiens, qui galèrent dans l'attente de l'audition de leur vie. Il y a d'ailleurs une très belle scène au cours de laquelle Emma Stone se donne à fond au cours d'une audition, jusqu'à nous émouvoir jusqu'aux larmes... alors qu'en face d'elle, la responsable de casting n'en a pas grand chose a battre. Un joli moment qui questionne, un peu comme dans Whiplash, la notion de talent et la manière dont il est il est exploité. Donc, même s'il ne nous charme pas forcément par son aspect musical, LaLaLand sait le faire par d’autres moyens.

Mais alors, vous allez me dire, qu’est-ce que c’est que ce film qu’on nous vend comme la comédie musicale ultime et qui n’assure même pas un cachou dans ce registre ? Patience, jeune padawan, on y vient. En fait, le charme de LaLaLand prend son temps pour agir et surprend plus d’une fois en nous faisant de l’œil là où on ne l’attend pas. Et petit à petit, le versant musical du film s’impose avec délicatesse, sans avoir l’air d’y toucher, l’espace de quelques formidables séquences, bourrées de poésie, comme celle du planétarium. Ailleurs, c’est un duo au piano entre les deux interprètes principaux qui fait naître l’émotion. Avec, toujours, ce talent que possède Chazelle pour faire de la musique non pas un simple accompagnement, mais une partie intégrante de l’histoire des personnages.

Difficile, donc, de ne pas succomber lors d’une conclusion magnifique, qui rebat les cartes et change radicalement notre perception du film. Davantage qu’une belle idée de mise en scène, c’est un moment extraordinaire et formidablement émouvant pendant lequel LaLaLand prend son véritable souffle et toute sa signification. C’est dans ce genre d’instant d’exception que le film dépasse son cadre étriqué et nous fait oublier ce que le reste du film peut avoir de convenu et d’ordinaire. Chazelle va alors beaucoup plus loin que le cadre du simple film musical pour s’octroyer une parenthèse formidable aussi bien par sa forme que par son contenu.

Cet épilogue est tellement touchant et juste, mais surtout c’est une si belle idée de cinéma qu’elle transfigure littéralement le film. Si tout le reste avait été du même tonneau, on aurait sans aucun doute tenu le chef d’œuvre que tout le monde a essayé de nous vendre. Malheureusement, tel quel, LaLaLand, malgré ses indéniables qualités, se loupe sur l’essentiel : la musique. Quand on ressort d’une comédie musicale sans aucun air qui vous trotte dans la tête, c’est qu’il y a clairement un problème. Et c’est d’autant plus dommage que Damien Chazelle possède un talent indéniable pour la marier à l’image.

Mais bon, tout cela n’est peut-être aussi qu’une affaire de génération, mais le fait est que sur le plan mélodique, la musique actuelle ressemble davantage à du travail d’arrangeur que de véritable musicien (cela est d’ailleurs souvent vrai en matière de simple partition musicale). Mais cela est un autre débat, qui dépassent le cadre du film. Avec des chansons béton, LaLaLand aurait été un chef d’oeuvre. Là, c’est juste un bon film, traversé par des superbes éclairs d’émotion et d’inventivité. Ce qui n’est déjà pas si mal.

Le Retour du Cinémascope

Surprise ! A la différence de pratiquement tous les films actuels, qui sont captés en numérique, LaLaLand a été tourné sur pellicule. Et pas n’importe laquelle, puisqu’il a remis sur le devant de la scène le Cinémascope, un procédé qui n’avait pas été utilisé depuis 1967 (si on excepte le dessin animé Anastasia, qui s’en est servi en 1997). Résultat : un ratio d’image un peu plus large que le scope classique, et, pour ce qui est du support film, un meilleur rendu des couleurs.

Petit clin d’œil sympathique de fin, le logo “The End”, avec une police reprise des grands classiques des années 50, avec la petite mention “Made in Hollywood, USA” qui va bien.

A La Poursuite de Demain

(Tomorrowland)

Film de Brad Bird (2015), avec George Clooney, Brittany Robertson, Hugh Laurie, Thomas Robinson, Raffey Cassidy, etc…

 

Quelqu'un qui refuse de mettre en scène le dernier Star Wars pour diriger un projet monumental comme celui-ci mérite le respect. Mais après tout, on savait déjà tout le bien qu'il y avait à penser de Brad Bird, le papa des Indestructibles, qui s'était brillamment reconverti dans le film "live" avec le dernier volet de la série Mission Impossible.

Tomorrowland, c'est vrai, affiche une sacrée ambition. Il y a une belle histoire de monde caché, des inventions délirantes au détour de chaque plan, des personnages attachants, bref vraiment beaucoup de choses. Trop peut-être, ce qui pourrait expliquer l'accueil timide reçu par le film, tant du côté de la critique que de celui du public. Le cul entre deux chaises, il hésite trop souvent entre le divertissement pour enfants et un ton un petit peu plus adulte, chacun des deux publics ne parvenant pas toujours à y trouver son compte.

 

 

 

De même, on pourra critiquer le côté margoulin de l'entreprise. Il n'y a bien entendu que chez Disney qu'on aurait l'idée de construire un film à partir d'une attraction de parc, même si c'est un petit peu plus que ça. Le Tomrrowland du titre était en effet un projet inabouti et très ambitieux du père Walt, qui rêvait comme dans le film de réunir les esprits les plus brillants dans une cité du futur. Le film joue donc subtilement sur deux tableaux en proposant un imaginaire ancré dans une certaine réalité. 

 

 

 

Mais en même temps, malgré ce grand coup d'épaule du côté du merchandising et du placement de produit, Tomorrowland laisse carrément de côté tous les tics des grosses machines actuelles pour proposer un cinéma à l'ancienne particulièrement jubilatoire. Brad Bird nous balade donc dans les méandres d'un scénario touffu et imprévisible avec une jubilation de geek qui fait vraiment plaisir à voir. J'en veux pour preuve la séquence du magasin de souvenirs dont les nombreux clins d'œil combleront le cinéphile le plus endurci. 

 

 

 

Il y a aussi un enthousiasme gamin dans la manière dont sont conçues et exécutées les scènes d'action. Qu'il s'agisse d'une maison blindée d'inventions en tout genre ou d'un commando de robots qui fait un carton avec des armes lasers dans une petite bourgade, il y a ce plaisir d'en mettre plein les yeux que possèdent trop peu de réalisateurs actuels. Un réel plaisir de mise en scène, prolongé par une parfaite lisibilité, ce qui ne gâche rien, loin de là. C’est drôle, vif, on se régale !

 

 

 

Avec autant de bonnes choses, on est plus qu'agacé que Tomorrowland se gaufre dans sa seconde partie, au fil d'explications fumeuses et incompréhensibles. C'est la contribution de Damon Lindelof, qui n'est autre que l'un des concepteurs de la série Lost et qui est hélas très symptomatique d'une approche actuelle de la narration. Incapables de faire dans la simplicité, la plupart des scénaristes actuels se croient obligés de noyer le spectateur sous un fatras de concepts et d'enjeux nébuleux et confus. Ça donne l'impression d'être très travaillé et complexe, c'est juste imbitable.

 

 

 

Donc oui, on est plus que fumasse de voir Brad Bird saborder son film dans une conclusion complètement ratée, qui s'égare inutilement dans des séquences visuellement bluffantes mais aux ressorts si compliqués et si peu crédibles que même le spectateur le mieux disposé aura vite fait de décrocher. C’est vraiment dommage car après une exposition aussi bien amenée, on attendait vraiment mieux que ce feu d’artifice bordélique qui embrouille à plaisir une intrigue qui n’avait besoin que de simplicité.

 

 

 

Tomorrowland se termine sur une belle bouffée d’optimisme, avec un joli message humaniste, même si son illustration, à la limite de l’esthétique pub, peut prêter à sourire. Ca ferait presque oublier le final raté et les égarements du second acte, tiens. Résultat, on accorde bien volontiers à Brad Bird les circonstances atténuantes. On regrette juste qu’il se soit laissé emporter par l’ambition démesurée de son projet et qu’il n’ait pas recherché à jouer la simplicité. Car en définitive, c’est dans ses aspects les plus dépouillés que son film arrive le mieux à convaincre.

 

 

Le Générique

Tout à fait dans l’esprit des affiches art-déco et rétro que Disney avait employées, le générique de Tomorrowland se démarque de l’esprit moderne du film et nous propose une visite virtuelle, très épurée, du “Monde de Demain”. Il a été réalisé par l’équipe de yU+co et produit par Sarah Coatts.

 

 

 

Clins d’Oeil

Bien entendu, le moment le plus référentiel du film, c’est le passage qui se déroule dans la boutique de souvenirs Blast From The Past. Brad Bird y fait figurer en bonne place des goodies tirées de son dessin animé, Le Géant de Fer, mais on y trouve également des produitsdérivés ou des accessoires de Star Wars, La Planète des Singes, Toy Story et même Les Simpsons, sur lequel il avait travaillé.

 

 

Enfin, ultime pirouette après le générique de fin : on voit le badge Tomorrowland, qui donne l’accès au Monde de Demain, et le développement du réseau des “élus”qu’il crée sur la Terre. La dernière image nous met même à la place d’un de ces émissaires avec une vue subjective sur le badge et ses effets.

 

Sully

Film de Clint Eastwood (2016), avec Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Ann Cusack, etc…

Le nouveau Clint Eastwood sacrifie à la mode du biopic, mais sur un mode plus actuel et proche de l’actualité, puisqu’il prend pour base l’incroyable amerrissage effectué par le commandant Chesley “Sully” Sullenberger sur l’Hudson River, à la suite d’une avarie survenue juste après le décollage. Bon, c’est un fait que Clint Eastwood, à l”heure actuelle, a davantage tendance à taper dans le sujet à sensation sans toujours lui apporter le petit plus qui aurait pû le transfigurer. Témoin, de beaux sujets comme Au-Delà ou Invictus, sabordés par leur académisme. Enfin, sabordés, j’y vais peut-être un peu fort car Eastwood reste tout de même un réalisateur hors-pair et qu’il sait tout de même assurer le minimum. Mais on est quand même loin de ses plus grandes réussites.

Déjà, le fait de mettre Tom Hanks en tête d’affiche, ça dénote une volonté de faire dans le sur-mesure : le comédien a tellement joué ces rôles d’homme ordinaire confronté à des évènements extraordinaires qu’il est devenu par la force des choses une sorte de héros américain. Hanks, c’est la garantie de l’authenticité mais aussi du petit plus qui vous transcendera un film tout bête. Donnez lui des personnages tout simples, une belle scène d’émotion, et l’acteur fait des merveilles, comme dans cet autre biopic, Captain Phillips, où sa scène finale est tout bonnement poignante et extraordinaire.

 

C’est donc un peu du cousu main qu’on attend avec ce Sully, et dans un sens on n’a pas tort, car Eastwood ne fait pas dans le plus grand que nature ni dans le spectaculaire. Et c’est tant mieux, car il reste en ce sens fidèle à la personnalité de son héros, citoyen ordinaire devenu héros parce qu’il a su avoir les bons réflexes au bon moment. Le film s’emploie justement à décortiquer cet enchainement de circonstances, sur un mode qui n’est pas sans rappeler le récent Flight de Robert Zemeckis.

Sully n’est peut-être pas aussi pointu que pouvait l’être un Eastwood comme Mémoires de Nos Pères, qui disséquait avec beaucoup de subtilité la fabrication d’un acte héroïque. Ici, le réalisateur ne peut que confronter son héros à l’homme de la rue, et c’est d’ailleurs ce qu’il fait dans une très belle scène, une des toutes meilleures du film, dans un bar. L’essentiel de l’action, c’est davantage l’analyse approfondie de l’accident par les agents de la compagnie d’assurance, qui épluchent chaque détail pour être certains que la bonne décision a bien été prise.

En ce sens, Eastwood, en se basant sur des faits réels, est bien obligé de rester dans les clous, et il va donc moins loin que Zemeckis, dont le héros involontaire était un alcoolo, sous l’emprise de drogues, de surcroit. Le seul moment où le film se lâche de manière plutôt maladroite et déplaisante, c’est dans une séquence de cauchemar qui est d’ailleurs complètement déplacée. Mais, fort heureusement, il y a Tom Hanks, et même si on se dit qu’une fois encore, on sait à quoi s’attendre, on ne peut qu’admirer le talent de l’acteur à faire surgir ces petites nuances qui font toute l’humanité et la crédibilité d’un personnage, a fortiori quand il est bien réel.

Malgré cela, Sully est au final un film très lisse et très sage. C’est loin d’être un défaut, car le réalisateur possède toujours un talent indéniable dans la narration, et Tom Hanks apporte talent et crédibilité à ce nouveau portrait de héros ordinaire. Mais de Eastwood, on attendait peut-être un petit peu plus que l’illustration – solide, certes, mais plutôt conventionnelle – d’un simple fait divers. Sully reste néanmoins touchant par la manière dont il célèbre la solidarité des différents intervenants de la catastrophe, l’esprit d’entraide et le sang-froid de chacun, sans lesquels les choses auraient pu être bien pires. C’est cet état d’esprit, très actuel car dicté par les évènements, qui est le véritable cœur du film.