Le Casse

Film d’Henri Verneuil (1971), avec Jean-Paul Belmondo, Omar Sharif, Dyan Cannon, Robert Hossein, Nicole Calfan, etc…

Quand j’avais 10 ans, Bébel était mon héros, et ce n’est pas sans une pointe de nostalgie que je me souviens de l’époque de la sortie du Casse. Je ne sais plus très bien ce qui avait motivé cet engouement pour notre star nationale, mais tout ce que je peux dire, c’est que j’ai sérieusement empoisonnée la vie de mon entourage avec ce fichu film. Je tiens donc à rendre hommage à la patience de mes parents qui ont mangé du Casse à toutes les sauces, ingurgité la musique de Morricone à hautes doses et ont été obligés d’aller voir le film en salles le soir même de sa sortie. Voilà, c’est dit.

Donc, forcément, à revoir le film aujourd’hui, je m’en veux un peu d’avoir infligé à mes proches un tel bourrage de crâne, et ceci d’autant plus que Le Casse est loin d’être, non pas un chef d’œuvre, encore moins une date dans l’histoire du cinéma. C’est même, il faut bien l’admettre, l’un des moins bons films d’Henri Verneuil. Donc tout ça pour ça. On peut dire que la machine publicitaire avait, à l’époque, parfaitement rempli son rôle en transformant en évènement un polar plutôt banal.

Car on ne peut pas vraiment dire que Le Casse innove particulièrement. Au contraire, il est tout entier organisé autour de sa star, au gré d’un scénario pas vraiment palpitant. Pourtant, Verneuil n’a pas tapé n’importe où. Le film adapte en effet un roman ultra-noir de David Goodis, dont on ne peut pas dire qu’il reste grand’chose dans le produit final. Pratiquement rien, en fait. L’odyssée nihiliste de petits braqueurs minables se transforme en cambriolage hi-tech,assaisonné de poursuites à pied ou en voiture dans les rues d’Athènes.

Dans un sens, Belmondo remplit pleinement son contrat et se donne à fond. On est encore estomaqué par cette cascade invraisemblable qui le voit dévaler une pente vertigineuse au beau milieu de gravats énormes qui le loupent d’un poil. Ca ne sert pas vraiment le film, mais c’est finalement grâce à des moments comme celui-ci que Le Casse s’est bâti sa réputation. Rémy Julienne et son équipe mettent les petits plats dans les grands pour une poursuite en voiture échevelée, dont on sent à chaque instant qu’elle essaie de surpasser ce qui pouvait se faire de mieux à l’époque.

L’intrigue, quant à elle, paraît bien mince. Omar Sharif joue plutôt bien les flics ripoux, même si on ne le sent pas complètement à son aise dans son personnage. Son face-à-face avec la gouaille insolente de Bébel donne les meilleures scènes du film, bien qu’on déplore, là encore, l’absence d’un Audiard au travers de dialogues assez convenus. Le film s’autorise aussi quelques légers dérapages érotiques parfaitement gratuits qui paraissent aujourd’hui particulièrement datés et ridicules. Pas de commentaire sur la prestation gentiment nulle et carrément potiche de Dyan Cannon, dont on se demande encore comment elle a pu faire carrière.

En bout de course, le bilan est donc plutôt mince. Le film assure juste le minimum syndical en matière de scénario, et devient vite un prétexte pour enquiller toute une ribambelle de séquences d’action. La réalisation de Verneuil est carrée mais impersonnelle, elle met parfaitement en valeur les exploits sportifs de son héros, au détriment de la crédibilité d’ensemble. Le Casse finit par ressembler à une énorme bande dessinée, tant tout y est caricatural, en particulier ce cambriolage, le fameux “casse” du titre, dont l’attirail technologique de pointe vous vaudra certainement un bon moment de rigolade. Bien davantage d’ailleurs que les quelques apartés comiques qui tombent, eux, complètement à plat.

Mais bon, il y a des choses qui ne se commandent pas. N’importe quel admirateur de Morricone vous dira que sa musique compte parmi ses plus médiocres, il n’empêche que ses accords marqués au piano, sur fond de générique stylisé à l’américaine, me chatouillent encore l’épine dorsale. Donc même si Le Casse n’est en fait qu’un polar très conventionnel tout à la gloire de notre Bébel national, certains souvenirs ont la vie dure. Il m’est donc difficile d’être complètement objectif au sujet d’un film qui a, à sa manière, compté dans ma vie de cinéphile. Même si, en l’occurrence, les souvenirs qui l’entourent ont davantage de prix que le film lui-même.

Le Générique

On ne parle pas assez souvent des créateurs de génériques français et c’est injuste. Car même si leur travail n’égale pas celui d’un génie comme Saül Bass, il existe tout de même des artistes qui ont apporté leur touche personnelle à bien des films. Michel François et sa compagnie, fort justement baptisée … les Films Michel François, a ainsi collaboré avec Truffaut, Tati, Verneuil ou Oury. Je peux même dire que ses créations ont fait partie de mon enfance de spectateur. Des créations qui peuvent paraître simples à réaliser à l’heure actuelle, mais qui, à l’époque, nécessitaient un travail monstrueux sur les incrustations, animations et autres effets visuels, qui n’étaient pas encore très en vogue en France.

Le principe du générique du Casse est simple : une image teintée en rouge sur laquelle se découpe un rond, tel le viseur d’une arme à feu. Ca donne un petit côté James Bond à une ouverture plutôt dépouillée et merveilleusement rythmée par la musique de Morricone. A noter que le générique repend le logo du titre tel qu’il apparaît sur l’affiche, créée par le fameux René Ferracci.

La Version Américaine

Et oui, cela peut paraître surprenant, mais à la fin des années 60, plusieurs films bien de chez nous ont été tournés simultanément en anglais. Attention, pas simplement doublés in english, mais carrément tournés dans la langue de Shakespeare, dans le but de mieux se vendre à l’international. Des films comme La Piscine, Le Clan des Siciliens ou Le Cerveau existent donc dans une version américaine, comme l’explique le documentaliste Jérôme Wybon dans les bonus du récent blu-ray. Et l’un des suppléments les plus intéressants de cette nouvelle édition, c’est justement la présentation de ce montage U.S., qui présente quelques petites différences avec l’original.

D’abord, ce n’est pas Belmondo qui apparaît en premier au générique, mais Omar Sharif. Ensuite, la poursuite de voitures est raccourcie de quelques plans. Enfin, le final dans le silo à grains est monté différemment, et on zappe (à raison) le gag final (raté) avec le poulet. Il est également à noter que notre Bébél national est doublé par un autre comédien, son accent américain n’étant pas suffisamment bon pour les besoins du film (on voit d’ailleurs dans les suppléments un comparatif entre sa vraie voix et la voix doublée).

Le Blu-Ray

Le Casse était l’un des titres les plus mal servis de la filmo de Belmondo en matière de DVD, avec un transfert pas terrible qui datait de Mathusalem. L’éditeur L’Atelier d’Images a eu la bonne idée de lancer une opération de financement participatif sur internet pour monter son projet. Et le fait est que cela a plutôt bien marché, puisqu’il est parvenu très vite à réunir les fonds pour cette belle édition collector. Sans vouloir faire dans l’avalanche de bonus, Le Casse propose quelques petites raretés, comme un reportage de la télévision belge sur le tournage du film, qui propose de nombreuses images du tournage et des interviews avec Verneuil et ses acteurs.

Il y a également le montage américain du film, ainsi qu’un comparatif entre les deux versions. La cerise sur le gâteau, c’est une interview du chef cascadeur Rémy Julienne, qui revient sur les nombreuses poursuites et les exploits sportifs - parfois insensés - de Belmondo. La qualité de transfert est également au rendez-vous, il y a même, en bonus, une adaptation en B.D. assez curieuse. Bref, voici un éditeur à suivre avec attention et une édition hautement recommandable, même si le film en lui-même l’est beaucoup moins.

C’était Demain

(Time After Time)

Film de Nicholas Meyer (1979), avec Malcolm Mc Dowell, David Warner, Mary Steenburgen, Charles Cioffi, Kent Williams, etc…

Le voyage dans le temps, en soi, c’est un sujet en or. Et pour cause : quand on tient une idée aussi folle, on peut se permettre de se lancer dans des variations aussi infinies que délirantes. On joue avec les paradoxes spatio-temporels ou avec des situations qui sont connues de tous, tout en leur ajoutant cette petite pincée de “et si…”, qui aurait pu changer le cours de l’Histoire. Ou mieux, on prend deux personnages bien réels et on les balance dans le temps. C’est le postulat malin et carrément génial de ce Time After Time.

Imaginons en effet que H.G.Wells, le célèbre romancier, ait réellement construit la machine à remonter le temps qu’il décrit dans ses romans. Imaginons que parmi ses connaissances se trouve un dangereux meurtrier qui n’est autre que… Jack L’Eventreur. La suite, on la devine aisément : le redoutable criminel trouve le moyen d’utiliser la machine pour fuir à travers le temps et aboutir en… 1979 ! Cette idée d’utiliser des personnages réels dans une intrigue abracadabrante n’est pas nouvelle pour le réalisateur Nicholas Meyer. C’est même la base d’un de ses romans, The Seven Per Cent Solution, qui associait Sherlock Holmes et Sigmund Freud, et qui sera d’ailleurs adapté au cinéma.

L’idée ne viendra pourtant pas de lui, mais d’un admirateur, Karl Alexander, qui, en reprenant le même principe, a écrit son propre roman et demande à Meyer de le lire pour avoir son avis. Si ce dernier n’est pas convaincu du potentiel en tant que livre, il est en revanche certain que cela ferait un excellent film. Il s’attelle donc à la rédaction d’un scénario, qu’il soumet à un de ses amis, Herb Jaffe, qui, ça tombe bien, cherche un projet pas trop cher pour la Warner. Ça y est, Time After Time est sur les rails. Le résultat, on le connaît : c’est l’un des films les plus attachants de ce sous-genre qu’est le voyage dans le temps.

Clairement, compte tenu de ses moyens limités, le film joue la carte du sourire en coin et du charme. H.G. Wells perdu dans le San Francisco des années 80 ressemble à un petit garçon qui découvre avec candeur les merveilles technologiques du monde qui l’entoure. C’est le vieux principe du personnage innocent égaré dans un univers qu’il ne connaît pas, mais qui est ici manié avec tellement d’humour et de délicatesse qu’il fonctionne à merveille. Nicholas Meyer évite l’humour facile et lui préfère des petites touches complices qui ne tournent pas ses héros en ridicule.

C’est dans son attachement aux personnages que Time After Time séduit. L’histoire d’amour, même si elle est improbable, charme tout de même, en grande partie grâce à l’alchimie entre les deux acteurs principaux, Malcolm Mc Dowell et Mary Steenburgen. C’est également un vrai plaisir de découvrir l’acteur dans un registre à l’opposé des rôles de voyous ou de psychopathes dont il s’était fait une spécialité. Mc Dowell apporte innocence et fraîcheur au personnage de H.G. Wells, et c’est d’ailleurs cette volonté de casser son image qui le décidera à accepter le rôle. Plutôt une bonne chose, puisqu’il tombera amoureux de sa partenaire et l’épousera peu de temps après.

Face à lui, David Warner fait des merveilles dans le rôle de Jack L’Eventreur. Comme à son habitude, l’acteur ne fait pas dans le spectaculaire ou dans le démesuré. Il reste au contraire fidèle à son jeu discret et subtil, qui renforce par sa retenue le sentiment de menace que crée le personnage. Le réalisateur non plus n’a pas besoin d’en rajouter: il joue sur la popularité de son anti-héros, le type en quelques plans et suscite l’horreur à partir de petits détails au cours d’une introduction maline (“Mes amis m’appellent Jack”).

Ce qui est par contre encore plus ingénieux, c’est de jouer sur le changement d’époque pour offrir un commentaire sardonique sur la violence. Jack L’Eventreur se trouve en effet parfaitement à sa place dans l’Amérique des années 80. “Vous n’êtes pas allé vers le futur, Herbert, mais vers la préhistoire”, dit-il à Wells en lui montrant un zapping bourré d’images agressives. “Notre place n’est pas ici ? Au contraire, je me sens chez moi”, surenchérit-t’il. “Il y a 90 ans, j’étais un monstre. Aujourd’hui, je suis un amateur”. Difficile de faire plus juste que cette confrontation qui est l’un des grands moments du film. Sans charger le trait, le discours est simple, éloquent et rajoute une dimension supplémentaire très bienvenue.

Mary Steenburgen, dans un de ses premiers rôles, apporte sa fragilité au personnage d’Amy Robbins. Son jeu inhabituel et décalé donne souvent l’impression qu’elle est à moitié bourrée et qu’elle traverse le film sur un nuage. Mais en définitive, cela s’intègre parfaitement au caractère insolite de l’intrigue et renforce l’intensité d’un moment clé de l’histoire. En plus d’avoir une efficacité dramatique imparable pour le spectateur qui a accepté le concept dès le début, il le rend crédible pour l’héroïne, tout en installant un élément de suspense d’autant plus efficace que nous nous sommes attachés à elle.

Le seul petit reproche qu’on pourrait adresser au film réside dans des effets spéciaux pas toujours au top. Certes, à l’époque, on n’en était pas encore aux prodiges numériques actuels, mais la technique avait tout de même fait quelques avancées spectaculaires quelques années auparavant, grâce à Lucas et Spielberg. Il est clair que les trucages sont ici victimes d’un budget hyper-serré, avec des incrustations très cheap où les différents éléments sont immobiles et où on nous ressort de vieux effets de solarisation façon sixties. Cela ne suffit pourtant pas pour mettre le film par terre, preuve que sa force ne réside pas seulement dans son côté fantastique.

Il faut également mentionner l’originalité de l’approche musicale. Au lieu d’utiliser une partition moderne, Nicholas Meyer a eu le culot de faire appel à l’un des meilleurs musiciens de l'âge d’or hollywoodien, Miklos Rozsa. Tout comme Bernard Hermann, le compositeur de Ben-Hur était dans le creux de la vague durant les années 80. Le réalisateur l’imposera donc contre l’avis de la Warner, et sera même obligé de mener campagne pour que sa partition ne soit  pas remplacée. Le résultat est magnifique, le style flamboyant de Rozsa apportant une touche de majesté et de classe tout à fait unique.

Le fameux Festival d’Avoriaz, à l’époque une référence en matière de cinéma fantastique, ne s’y trompera pas et lui décernera son Grand Prix en 1980. Les spectateurs, eux, se feront davantage tirer l’oreille pour suivre. Malgré des avant-premières très prometteuses, le film ne trouvera son public que bien des années plus tard, grâce à la vidéo. Au point qu’un réalisateur comme Robert Zemeckis lui rendra un bel hommage indirect en reprenant l’actrice Mary Steenburgen pour une autre histoire de voyage dans le temps, le dernier volet de la trilogie de Retour Vers Le Futur. Un joli témoignage de l’efficacité et du charme de ce petit classique, qui est à sa manière devenu intemporel !

Le retour du Bouclier

Time After Time est le premier film à avoir réutilisé le vieux logo de la Warner, plus connu dans l’industrie sous le nom du “bouclier” ('”the shield”). Auparavant, le sigle avait connu plusieurs déclinaisons, plus ou moins stylisées. C’est le réalisateur Nicholas Meyer qui insista pour le remettre sur le devant de la scène, tel qu’il était dans les années 40, avec sa signature musicale, due au compositeur Max Steiner. Une idée plutôt judicieuse, puisque ce logo est toujours utilisé de nos jours, même s’il a été un petit peu modernisé depuis.

Mini-Trombi

Dans la distribution, on reconnaîtra Corey Feldman, qui fera une belle carrière pendant les années 80 dans des rôles d’ado. On a pu notamment le voir chez Joe Dante (Gremlins, The Burbs) mais également dans Les Goonies. C’est sa première apparition à l’écran.

On note également la présence de Patti d’Arbanville dans le rôle de la collègue d’Amy. Les cinquantenaires de ma génération se souviendront plutôt d’elle comme la “Lady d’Arbanville” de la chanson de Cat Stevens.

Les Effets Spéciaux

Comme nous l’avons dit, ils ne sont pas bien fameux, conséquence d’un budget tout riquiqui. Ils ont été supervisés par Richard Taylor, un designer qui travaillera essentiellement dans le domaine du jeu vidéo, mais participera tout de même à certaines grosses productions, comme Tron ou le premier film de la saga Star Trek. A ne pas confondre avec son homologue néo-zélandais, qui a fondé le studio Weta Workshop.

Les effets visuels de Time After Time sont réduits à leur plus simple expression. Les apparitions/disparitions de la machine à remonter le temps sont généralement des images fixes sur lesquelles ont été apposés des effets de lumière animés à la main (eh oui, nous étions en 1979!). Si le trucage en soi n’est pas foncièrement mauvais, il est trahi par le fait que les personnages s’immobilisent dès que l’effet commence. A l’époque, les caméras pilotées par ordinateur avaient déjà fait leur apparition, et les collages du film apparaissent comme particulièrement cheap.

La deuxième partie du voyage dans le temps est composée quand à elle d’effets vidéo, accompagnée d’extraits sonores qui permettent de dater les différentes époques. On y retrouve donc pêle-mêle Neil Armstrong, John Kennedy, Jimi Hendrix… Un moyen habile de détourner l’attention du spectateur de trucages assez moyens.

La Musique

A priori, quoi de plus surprenant que de retrouver le compositeur de Ben-Hur dans un film sur le voyage dans le temps ? C’est pourtant le pari un peu fou du réalisateur Nicholas Meyer. Miklos Rozsa, comme beaucoup de compositeurs de l’Age d’Or hollywoodien, n’était pas très demandé dans les années 80. Le metteur en scène insistera pourtant auprès de la Warner pour l’obtenir.

Mieux, lorsque les grands pontes de la compagnie commenceront à avoir des doutes sur la musique et menaceront de la remplacer par une B.O. davantage dans l’air du temps, il publiera une page de pub dans les journaux de la profession pour attirer l’attention des critiques sur la partition. Résultat garanti : La Warner abandonnera son idée et ne touchera pas à la musique de Rozsa.

Du coup, sur disque, la musique de Time After Time sera plutôt bien traitée, bien mieux que certaines œuvres de la même époque. La partition est réenregistrée à Londres par le compositeur et paraît sur le label Entracte. En 2009, c’est Film Score Monthly qui entreprend de publier l’intégrale, en utilisant les bandes originales. Le CD, tiré à 3000 exemplaires, est malheureusement devenu très vite une pièce de collection et se trouve très difficilement à l’heure actuelle.