We Need to Talk About Kevin

Film de Lynne Ramsay (2011), avec Tilda Swinton, John C. Reilly, Ezra Miller, Ashley Gerasimovich, Jasper Newell, etc...

Difficile de trouver un film qui mette plus mal à l’aise que ce We Need To Talk about Kevin. Cette exploration glaçante de l’univers d’un ado serial killer ne donne aucune réponse quant aux motivations de son personnage, ni aucune explication concrète quant au pourquoi du comment. C’est d’autant plus déstabilisant pour le spectateur, d’abord baladé au beau milieu d’une narration explosée, qui brouille encore davantage les cartes. Seul fil conducteur, le personnage de la mère, auquel Tilda Swinton apporte une épaisseur psychologique peu commune. Moins que le portrait de Kevin, c’est davantage celui de sa mère que le film brosse, touchant du doigt le calvaire quotidien auquel les actes de son fils l’ont condamnée. Au-delà de la culpabilité d’avoir raté son éducation, elle restera prisonnière à vie d’une situation qui lui a échappé dès le début.

Le film de Lynne Ramsay brosse un portrait sans pitié d’un couple qui se parle sans s’écouter, d’une famille dans laquelle une violence inexpliquée s’insinue comme un virus, avant un final impitoyable, qui évoque directement la tuerie de Colombine. Malgré des qualités esthétiques évidentes, il manque toutefois un petit quelque chose à We Need To Talk About Kevin pour emporter totalement l’adhésion. Le ton très froid, presque clinique évoque plus d’une fois le style de Steven Soderbergh, justement  producteur exécutif. S’il sert indéniablement le malaise profond qui s’en dégage, il nous empêche aussi de nous attacher complètement aux personnages.  C’est le seul défaut d’un film qui, malgré tout, ne s’oublie pas facilement. 

Coup de Torchon

Film de Bertrand Tavernier (1981), avec Philippe Noiret, Stéphane Audran, Jean-Pierre Marielle, Isabelle Huppert, Eddy Mitchell, etc…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bertrand Tavernier a toujours été une personnalité à part dans le cinéma français, l’un des rares, à une certaine époque, à oser un cinéma qui, bien que commercial par la présence de têtes d’affiche, laissait tout de même parler une sensibilité très personnelle. Au travers d’une filmographie plus que diversifiée, on sent constamment la patte d’un auteur, qui n’hésite pas à prendre des risques.

 

 

Coup de Torchon est né de l’admiration du réalisateur pour l’écrivain Jim Thompson, dont il cherchait depuis des années à adapter l’une de ses œuvres-phare, 1275 Âmes. Réputé comme impossible à transposer au cinéma, le livre usera pas mal de scénaristes jusqu’à ce que Tavernier ait l’idée de le transposer en Afrique Occidentale à la veille de la Deuxième Guerre Mondiale. Le résultat est une comédie noire et grinçante, et un film unique en son genre.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le héros, Cordier (Philippe Noiret), « shériff » de Bourkassa-Oubangui, décide donc un jour de donner ce fameux « coup de torchon » et de se rebeller contre tous ceux qui l’ont humilié. Et c’est le début d’un formidable jeu de massacre dans lequel tout le monde en prend pour son grade. Cordier se dit guidé par la main de Dieu, mais est-il réellement fou ? Le film nous emmène très vite dans une savoureuse et subtile manipulation, dans laquelle le héros, d’abord présenté comme un raté intégral, trouvera une certaine forme de rédemption en faisant le ménage autour de lui.

 

 

 

 

 

Pour ajouter davantage au caractère déjà inhabituel de l’histoire, Bertrand Tavernier brouille les cartes avec brio et mélange allègrement les genres, tout en gardant au film un côté malicieux et pétillant. Il utilise les codes de la comédie à la française pour mieux les détourner ensuite et surprendre le spectateur au détour d’une trouvaille inattendue. Plus d’une fois, le rire s’étrangle et on est cueilli à froid par une rupture de ton. Le réalisateur n’hésite pas à aller trop loin, que ce soit dans l’humour noir ou la veulerie des personnages, qui sont en définitive tous plus haïssables les uns que les autres.

 

 

 

Tavernier porte un regard goguenard sur tout ce petit monde, aidé il est vrai par des acteurs hors-pair, souvent utilisés à contre-emploi. Eddy Mitchell en abruti intégral, Isabelle Huppert en nymphomane, Stéphane Audran en épouse aigrie, c’est un véritable festival. Coup de Torchon ne serait pas aussi percutant sans ses dialogues savoureux, co-signés par Jean Aurenche et Tavernier. Ils savent être efficaces et goûteux, aussi bien dans les échanges entre les personnages que sur les monologues existentiels de Philippe Noiret, qui a rarement été aussi bon. Le film est une véritable mine de répliques cultes et mémorables, qui ne sont pas simplement là pour le plaisir d'aligner de bons mots. Au contraire, ils enrichissent l'histoire et les personnages, mais permettent également au spectateur de ne pas trop être désarçonné par les changements de registre du film.

 

 

 

La photographie de Pierre-William Glenn est particulièrement réussie, avec ses longs travellings à la Steadicam qui poursuivent les personnages ou les traquent au sein de leur folie. Elle communique une instabilité permanente des cadrages, qui renforce l’atmosphère d’étrangeté qui imprègne le film. Enfin, la musique de Philippe Sarde est un ingrédient supplémentaire dans ce patchwork : elle-même se nourrit d’influences diverses, entre musique atonale au jazz, et change de registre avec maestria, accompagnant subtilement les cassures de style du film.

 

 

 

 

 

 

 

 

Coup de Torchon est un film inclassable, qui n’oublie pourtant jamais d’être drôle. Son mélange des genres peut désarçonner, de même que son univers et ses personnages déjantés. Même si Tavernier garde une forme de mise en scène très familière, c’est pour mieux déstabiliser ensuite le spectateur. Ce mélange déconcertant restitue à merveille le style a priori inadaptable de Jim Thompson, et se classe sans conteste parmi les meilleurs films de son auteur. Définitivement cultissime.

 

 

Le Trombi :

Une section trombinosocope très fournie, car comme on l’a dit, le casting de Coup de Torchon est l’un des principaux atouts du film, avec des acteurs confirmés certes, mais dans des rôles inhabituels. Beaucoup de seconds rôles judicieusement choisis, plus quelques nouvelles têtes, dont un Eddy Mitchell qui faisait ici des débuts remarqués au cinéma.

 

Philippe Noiret

Stéphane Audran

Eddy Mitchell

Gérard Hernandez et Jean-Pierre Marielle

Guy Marchand

Isabelle Huppert

Michel Beaune

Irène Skobline

Jean Champion

François Perrot

 

Ma rencontre avec Bertrand Tavernier :

A l’époque, nous avions le projet, moi et des amis, de monter un magazine consacré à la musique de films. Entreprise qui n’a malheureusement pas vu le jour, mais qu'il a fallu tout de même faire vivre et alimenter par quelques entretiens. Aussi, lorsque le père d'un de mes copains, à qui j'avais parlé de notre projet, me propose de rencontrer Bertrand Tavernier, inutile de dire que j’étais dans mes petits souliers et que, vu que je n’avais strictement aucune expérience dans ce domaine, je me préparais à un fiasco monumental.

 

Le jour de l’interview, il me reçoit donc dans son appartement parisien. Problème, il souffre d’un violent mal de dos et restera donc allongé pendant la durée de l’entretien. J’ai presque l’impression d’être un psy à l’écoute de son patient, et je me lance avec mon petit magnétophone tout ridicule. Dès les premières questions, Tavernier me met à l’aise, car c’est davantage le cinéphile que le metteur en scène qui parle. Et il en connaît un rayon, il a même des connaissances carrément encyclopédiques. Cela va de soi, car il a quand même signé avec Jean-Pierre Coursodon la bible 50 ans de Cinéma Américain, et la conversation est passionnante, presque à bâtons rompus. Bertrand Tavernier est quelqu'un d'une formidable simplicité et d'une telle humilité qu'on en oublierait presque le metteur en scène, tant il revendique et vous fait partager son admiration pour des tas de choses, que ce soit dans le domaine de la musique que du cinéma. On pourrait l’écouter des heures, tant sa culture et sa passion pour le cinéma sont immenses. Nous parlerons de jazz (une autre de ses grandes passions), de musique de film et bien entendu de Coup de Torchon. Il évoquera notamment ses difficultés à monter la scène finale du film, et comment son compositeur Philippe Sarde l’aidera à les résoudre. L’entretien durera une heure environ, et je l’aurais volontiers fait durer davantage, tant c’était un réel plaisir de l’écouter parler, mais je ne voulais pas non plus abuser, compte tenu de son état de santé. Je tenais donc à le remercier publiquement pour cette m’avoir accordé cet entretien qui, hélas pour lui, ne sera jamais publié…

 

Le DVD :

Le film a été édité par StudioCanal dans une copie de bonne qualité, même si le contraste laisse un peu à désirer. Côté suppléments, le disque est plutôt bien fourni et propose une interview de Noiret et Tavernier, riche en anecdotes savoureuses sur le tournage du film. Un petit régal. Il y a également un entretien avec Eddy Mitchell, et surtout une section consacrée aux fins alternatives du film. Tavernier en a filmé deux différentes, qui apparaissent ici. Personnellement, j’avoue ma préférence pour celle retenue dans le film, celle avec les gorilles en rajoutant peut-être un petit peu trop dans l’esprit décalé du film. Une édition hautement recommandable, donc, même si elle commence à dater.

The Hole

Film de Joe Dante (2009), avec Chris Massoglia, Haley Bennett, Nathan Gamble, Teri Polo, Bruce Dern, etc...

 

Ca fait plusieurs années maintenant que Joe Dante est relégué au placard. Depuis son Looney Tunes qui malgré tout n’était pas une franche réussite, le réalisateur n’a plus la faveur des studios, et a accumulé trop de casseroles pour pouvoir s’imposer dans le système Hollywoodien actuel. Et c’est franchement dommage qu’un auteur aussi singulier et original ne puisse plus tourner, mais bon, Dante c’est aussi l’univers de la série B, des nanars des années 50. Autant de références qui n’ont plus cours aujourd'hui, hélas.

Aussi, à l’annonce de la sortie de son petit dernier, The Hole, le Strapontin a bondi de joie. Une euphorie bien vite tempérée, cependant : non seulement le film a été accueilli on ne peut plus froidement par la critique, mais il a été distribué au lance-pierres. Encore mieux, notre beau pays, qui se vante de soutenir les auteurs incompris, n’a même pas daigné le distribuer en salles ! La honte !

C’est donc ce qu’on appelle un direct to video, autrement dit un inédit qui n’est jamais sorti au cinéma, bref une catégorie qui regroupe généralement les nanars trop minables pour être exploités en salles. Pourtant, il y avait de quoi faire, et ce d’autant plus que le film avait été tourné en 3D native. Bien mais pas suffisant pour les exploitants et distributeurs, qui ne se sont pas trop mouillés sur ce coup-là et ont préféré favoriser d'autres œuvres au relief fabriqué informatiquement a posteriori… Du coup, The Hole arrive chez nous près de 2 ans après sa sortie, et précédé d’une réputation pas franchement top, puisque même ceux qui d’ordinaire défendaient le metteur en scène sont visiblement les premiers à critiquer une œuvre qui selon eux recycle les pires défauts de son style. Mouais… De fait, le film est loin d’être un chef d’œuvre mais il est loin de mériter la volée de bois vert qu’il a reçue de la part des critiques et des fans.

Déjà, le pitch est plutôt sympathique : deux ados découvrent dans le sous-sol de leur nouvelle maison un trou sans fond qui, ils vont bientôt le découvrir, possède le pouvoir de matérialiser les peurs les plus profondes de ceux qui le côtoient. Passons sur les invraisemblances du scénario et les inévitables incohérences qui font un peu partie du jeu. Reste un film malgré tout bien aimable, dans le sens où on y retrouve tout de même le tour de main de Joe Dante. Pas de références incessantes, ni de clins d’œil, mais une mise en scène parfaitement maîtrisée, qui sait doser subtilement les éléments fantastiques et l’humour. Bien sûr, les personnages sont également stéréotypés, mais on n’a jamais l’impression de facilité scénaristique que peuvent dégager certains films récents. Le réalisateur n’est pas dupe qu’il manie des clichés et du coup ne cherche pas à gruger le spectateur. Comme dans tous ses films, il respecte à la fois son matériau de base et son public, même s’il ne crée pas ici de complicité réelle avec lui. A défaut de creuser réellement son sujet, Dante propose tout de même un début de réflexion très intéressant sur les peurs qui sont ancrées en nous.

Malgré tous ces aspects qui sentent le déjà-vu, la progression dramatique est tout de même assez intéressante et sait même ménager quelques surprises dans le déroulé de l'intrigue. Au-delà des séquences attendues, comme celle de l’attaque du clown, on trouve aussi quelques moments étranges et poétiques, comme la rencontre avec Creepy Karl, dans une fabrique remplie de lampes et subtilement baptisée The Gloves of Orlac (en référence aux Mains d’Orlac, un classique avec Peter Lorre). Et lorsque le film ose s’aventurer en plein fantastique lors de son final, le résultat est plutôt convaincant. Certains se ramassent lorsqu’ils essaient de montrer certains éléments-clés de leur intrigue, là le voyage au fond du trou est plutôt bien amené, dans un style qui évoque Dali.

The Hole n'est pas un chef d’œuvre, loin de là, ni même un des films les plus marquants de Joe Dante, mais il est pourtant loin de valoir la réputation miteuse qu’il se traine depuis sa sortie. C’est un divertissement familial réussi et un film d'une grande sincérité. Là où certains accepteraient tout et n'importe quoi pour rester en selle, Dante préfère rester fidèle à son indépendance. Le fait qu'il se remette sur les rails avec ce petit film est une preuve d'humilité et ce The Hole, malgré tous ses défauts, reste infiniment moins artificiel et fabriqué qu'un Super 8.

Le Trombi:
Petit budget oblige, un casting composé de gens pas connus ou d'acteurs ayant principalement œuvré pour la télévision. Joe Dante en a quand même profité pour caser deux de ses acteurs fétiches. Bruce Dern, tout d'abord, un fidèle du réalisateur depuis The Burbs, qui en rajoute avec délectation dans le rôle de Creepy Karl. Ensuite, un film de Joe Dante ne serait pas tout à fait un film de Joe Dante sans Dick Miller, qui fait ici une petite apparition non créditée dans le rôle d'un livreur de pizzas.

Chris Massoglia

Haley Bennett

Nathan Gamble

Teri Polo

Bruce Dern

Dick Miller

Cluedo (Clue)

Film de Jonathan Lynn (1985), avec Tim Curry, Christopher Lloyd, Lesley Ann Warren, Madeline Kahn, Michael Mc Kean, etc...

 

Vous n’avez jamais joué au Cluedo quand vous étiez jeune ? Le Colonel Moutarde, le Professeur Olive, Madame Blanche… ça ne vous dit rien, tout ça ? Ce sont pourtant des noms propres à susciter de grosses bouffées de nostalgie chez ceux qui connaissent! (dans le cas contraire, vous aurez vite zappé cet article pour passer au suivant et on ne peut pas vraiment vous en vouloir) Clue est à ma connaissance, la seule et unique tentative d’adapter un jeu de société en film. Et quand on voit le résultat final, on se dit qu’il aurait peut-être mieux valu s’abstenir, car franchement, c’est mauvais de chez mauvais.

Pourtant, le principe du jeu aurait pu fournir matière à une subtile intrigue policière à la Agatha Christie. Que dalle ! On a préféré miser sur l’humour, mais pas un humour drôle qui fait rire, non le genre d’humour peau de banane, où on est censé s’esclaffer dès qu’un personnage se casse la gueule. Et comme si ça ne suffisait pas, les acteurs en rajoutent des brouettes dans l’hystérique et le fatiguant. Bref, d’inintéressant, Clue devient très vite saoulant.

Tout au plus, le film pourra passer pour une curiosité, vu que, pour respecter le principe du jeu, trois fins différentes ont été tournées, et qu’il est possible sur le DVD d’en sélectionner une au hasard. Mais comme on se bat allègrement l’œil de l’histoire, le gimmick n’a pas grand intérêt. Dans le même genre, mieux vaut découvrir l’excellent Un Cadavre au Dessert.

Réellement désolant.  

 

Little Miss Sunshine

Film de Jonathan Dayton et Valerie Faris (2006), avec Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Abigail Breslin, Alan Arkin, etc...

Little Miss Sunshine a surpris tout le monde il y a quelques années, et c’est plutôt une bonne chose, car dans l’avalanche actuelle de films standardisés et pré-formatés, cette petite comédie déguisée en production indépendante possède un charme indéniable et une énergie enthousiasmante. Presque un sans-faute pour ce premier film, signé Jonathan Dayton et Valerie Faris, deux réalisateurs venus du clip.

Pourtant, quoi de plus banal que de raconter l’histoire d’une famille américaine en route pour une compétition de miss ? Ce n’est que le prétexte à une sorte de road movie qui réunit des personnages plus ou moins branques : il y a le père de famille (Greg Kinnear), qui est coach en motivation et forme les gens à devenir des winners, il y a le fils (Paul Dano), qui lit Nietzsche et a fait vœu de silence, il y a le beau-frère (Steve Carrell), homosexuel et suicidaire, et enfin il y a le grand-père (Alan Arkin), toxico et porn addict.

Les réalisateurs ne font pas dans le détail, avec des personnages à la limite de la caricature. Pourtant, le film fonctionne bien et même plus que bien puisque tout ce petit monde va vite devenir plus qu’attachant, au travers de ses excès comme de ses failles. Little Miss Sunshine ne craint pas d’en rajouter parfois, mais toujours avec justesse et en évitant le too much ou l’émotion facile. La musique de Mychael Danna, gentiment new age, s'y intègre comme un gant. Quant aux acteurs, ils sont tous épatants, et vraiment pour beaucoup dans la réussite du film.

Sur la fin, le film taille une belle croupière aux concours de miss, mais sans forcer le trait ni s’égarer dans le cynisme ou la méchanceté gratuite. Le final, un peu bordélique, marque le triomphe des valeurs familiales sur le côté artificiel de la compétition, mais il le fait avec beaucoup d’esprit, et dans un style qui réchauffe véritablement le cœur. Les personnages existent alors pleinement à travers leur différence et ils parviennent à transformer un fiasco potentiel en véritable triomphe. C’est émouvant et très fort.

Little Miss Sunshine est ce qu’on appelle un feelgood movie, un film dont on ressort le cœur léger et le sourire aux lèvres. Remarquablement écrit et joué, avec des personnages sympathiques et une absence totale de prétention dans sa mise en scène, voilà une belle réussite pleine de fraîcheur, qui n’a définitivement pas volé son succès.

Le Trombi :

Un casting merveilleux de justesse, puisqu’on y redécouvre beaucoup d’acteurs, qui sont ici employés très judicieusement. Greg Kinnear (impayable dans Mystery Men) est un père de famille plus que convaincant, tandis qu’on retrouve à ses côtés Toni Collette, la révélation de Muriel. Alan Arkin, que j’ai toujours trouvé quelconque, est merveilleux dans le rôle du grand’père, et la petite miss du titre, Abigail Breslin est craquante à souhait (on l’a revue récemment dans l’excellent Zombieland). Les deux véritables révélations du film, ce sont Steve Carell, aux antipodes de ses rôles habituels, et Paul Dano, dans le rôle du fils. A noter également la présence, dans un second rôle, de Mary Lynn Rajskub, l'une des vedettes de la série 24.

Greg Kinnear

Toni Collette

Paul Dano

Steve Carell

Alan Arkin

Abgail Breslin

Dean Norris

Beth Grant

Mary Lynn Rajskub