La Tour Infernale

(The Towering Inferno)

Film de John Guillermin et Irwin Allen (1974), avec Steve Mc Queen, Paul Newman, William Holden, faye Dunaway, Fred Astaire, etc…

Autoproclamé « le plus gigantesque des spectacles », The Towering Inferno représente l’apogée de la vague de films-catastrophe qui submergea Hollywood au milieu des années 70. Avec son casting de valeurs sûres, ses personnages découpés à l’emporte-pièce et ses bons sentiments, le film peut aujourd’hui prêter à sourire. Mais malgré tout et en dépit de ses défauts, il reste, quelque 35 ans après sa sortie, une référence du genre et un sacré spectacle.

A l’origine de The Towering Inferno, il y a surtout un producteur, Irwin Allen. Après un parcours fructueux à la TV (toutes ses séries seront des succès, même si seulement Voyage au Fond des Mers et Au Cœur du Temps seront diffusées en France), il s’oriente vers le cinéma avec un peu moins de bonheur. Ses films d’aventure un brin ringards connaîtront un honnête succès, mais c’est en 1972 qu’il touchera le jackpot. Un concept intriguant (des passagers prisonniers d’un paquebot retourné) et ce sera le jackpot de The Poseidon Adventure (dont on vous reparlera sous peu sur le Strapontin), lançant du même coup la mode du film-catastrophe.

Aussi lorsque la Warner décide d’adapter le roman The Tower, qui relate un incendie dans un gratte-ciel, elle est un peu inquiète d’apprendre qu’Allen a eu la même idée avec un autre bouquin, The Glass Inferno. Donc, plutôt que de rivaliser, les deux major companies décident d’unir leurs forces pour produire le film. Après avoir recruté bon nombre de stars, le tournage est réparti entre plusieurs équipes. Une principale, sous la responsabilité du réalisateur John Guillermin, se chargera des scènes classiques avec acteurs, alors qu’Irwin Allen dirigera toutes les séquences d’action. Enfin, une troisième équipe se chargera des effets spéciaux et une quatrième des prises de vues aériennes.

Le résultat, on le connaît, et si le film tient encore bien la route, c’est en particulier grâce au travail sur les cascades et les effets spéciaux. Pour ce qui est du reste, il faut bien avouer que The Towering Inferno se roule parfois dans les clichés les plus éhontés, avec des personnages très (trop) stéréotypés : le chef des pompiers (Steve Mc Queen), bon gars tout le temps sur le qui-vive, le brave architecte (Paul Newman) qui reconnaît ses responsabilités dans la catastrophe, le vilain promoteur (William Holden) et son encore plus vilain gendre (Richard Chamberlain), qui ont sacrifié la sécurité à la rentabilité…

 

 

On ne peut pas dire que le scénario brille par sa finesse ni par son intelligence, et les dialogues sont à l’avenant, avec des traits d’humour lourdement appuyés. La direction d’acteurs n’a jamais été le fort d’Irwin Allen. C’est même à se demander s’il n’embauchait pas volontairement des comédiens multi-oscarisés pour justement s’épargner cette besogne. Il ne faut donc surtout pas attendre des merveilles, ni au niveau de l’interprétation, ni au niveau de l’intrigue. On reste constamment au niveau d’un cinéma « à la papa », parfaitement calibré. Bien entendu, les dialogues fustigent gentiment les responsabilités des urbanistes et des architectes, et tressent des lauriers aux pompiers, quoi de plus normal ?

Pourtant, malgré toutes ces casseroles, The Towering Inferno réussit tout de même à emporter le morceau et à demeurer une référence du genre. A cela plusieurs raisons. Le scénario, tout d’abord. Même si le script de Stirling Silliphant n’a rien de révolutionnaire, il a l’intelligence de respecter une unité de temps, de lieu et d’action, à la différence des films comme Tremblement de Terre, qui s’éparpillaient. Le cadre de l’action, ensuite, n’offre aucune porte de sortie aux personnages, et rend toute tentative de secours extrêmement périlleuse. Malgré l'étendue de l'action, le film entretient un sentiment de danger d'autant plus efficace que la menace du feu est telle que n'importe qui peut s'y identifier. Ensuite, l’enchaînement des péripéties les plus diverses et variées est particulièrement bien géré et arrive à soutenir l’attention sur une durée de projection de près de 3 heures, ce qui n’est pas négligeable.

Sur le plan technique, le film tient ses promesses. A l’aide de maquettes démesurées et de modèles radiocommandés, il parvient à rendre crédible les péripéties les plus invraisemblables, aidé il est vrai par un impressionnant travail sur les cascades. Les séquences d’incendie, tournées au ralenti pour des impératifs techniques, acquièrent parfois une certaine démesure plutôt grandiose, aidées par une excellente partition musicale de John Williams. Et assez curieusement pour un spectacle aussi pépère, le film fait parfois preuve d’un sadisme assez déconcertant, comme dans la séquence où Robert Wagner et sa maîtresse périssent dans l’incendie de leur bureau.

On retrouve certains échos de The Poseidon Adventure, mais de manière finalement assez subtile, les structures des deux films étant différentes. Là où le premier reposait sur un itinéraire de survie dans un cadre inhabituel, le second est bâti à la fois sur la progression du sinistre et sur les tentatives des personnages pour y échapper. Irwin Allen y fait toutefois référence dans la séquence de l’escalier de secours, mais également dans le découpage, tout le film étant rythmé par des courtes séquences d’explosion qui agissent presque comme des ponctuations dans le récit.

 

 

Le final, à la fois démesuré et énorme, est le point d’orgue du film, mais aussi quelque part de l’œuvre d’Allen, qu’on surnommait le Master of Disaster. Steve Mc Queen, Paul Newman, William Holden et Fred Astaire sont noyés pour de vrai sous des trombes d’eau, le réalisateur conclue son épopée catastrophiste par une séquence apocalyptique pleine de bruit et de fureur. C’est l’apogée d’un certain cinéma-spectacle des années 70, réalisé à l’ancienne et garanti sans image de synthèse. Quelque part, The Towering Inferno, même s’il est à des lieues de la perfection technique des effets actuels, marque le triomphe de cette approche traditionnelle du cinéma, avec ses aspects un peu gauches et loupés qui confèrent au film un véritable capital de sympathie.

Il y aurait beaucoup à redire sur le film et sur ses défauts, ainsi que sur le fait de transformer une tragédie en spectacle (un aspect encore plus évident après les évènements du 11 septembre). C’est ce mélange de démesure et d’imperfection, de maîtrise technique et de crétinerie, de grand spectacle et de nanar qui fait tout le prix de The Towering Inferno. Un mélange que son producteur ne saura hélas pas retrouver dans ses films suivants, et qui reste paradoxalement à ce jour une des plus belles réussites du genre.

Arrêts sur Images

 

Les Effets Spéciaux

A une époque où les images de synthèse n’existaient pas, beaucoup de techniques différentes ont été utilisées pour donner vie au gratte-ciel et à l’incendie du film. Tout d’abord, les matte paintings (ou peintures sur verre) ont permis de superposer des acteurs sur des fonds peints, ou d’insérer carrément la Tour de Verre dans le panorama de San Francisco.

 

Les séquences où intervient le feu ont été tournées sous la supervision de plusieurs conseillers appartenant aux pompiers de Los Angeles et San Francisco. Les cascadeurs qui devaient « prendre feu » étaient équipés de protections et utilisaient un gel spécial pour la combustion. Comme ils ne pouvaient supporter les flammes que pendant un temps limité, Irwin Allen a eu l’idée d’utiliser le ralenti afin de maximiser la durée de ces séquences. Cet impératif technique a finalement servi le film puisque, ces scènes étant muettes et sans effets sonores, elles sont intégralement soutenues par la musique, qui renforce leur impact dramatique. Des mannequins ont également été utilisés dans certaines séquences, comme celle où la secrétaire de Robert Wagner se jette par la fenêtre. La main plaquée sur le visage aide à dissimuler l’illusion.

Ensuite, l’essentiel des effets repose sur une maquette aux proportions gigantesques (près de 30 mètres). Elle était équipée de mécanismes qui permettaient d’y mettre le feu, en dosant du propane, de l’acétylène et de l’air afin de pouvoir maîtriser la coloration des flammes. Les différents éléments tels que le feu et l’eau ont été filmés à des vitesses élevées, afin de produire un effet de ralenti qui leur donne davantage de volume.

Plusieurs étages de la tour ont été reconstitués à une échelle plus importante, ce qui permettait des effets plus réalistes. De plus, une équipe aérienne a été utilisée dans certains plans.

La très grande hauteur de la maquette a également permis d’utiliser des angles en plongée qui renforcent l’impression de vertige. La caméra était alors fixée sur une nacelle montée sur un bras articulé, ou pour certains plans, sur un hélicoptère. Le fait que l’action se déroule la nuit permet de masquer l’arrière-plan, qui aurait pu trahir l’aspect maquette de l’ensemble.

Le film combine également plusieurs techniques différentes. Certains plans, nottament une bonne partie de la séquence de sauvetage depuis le Peerless Building, ont été réalisés sur fond bleu, et combinent les acteurs avec la maquette de la tour.

Des modèles réduits radiocommandés ont aussi utilisés, comme dans la scène où l’hélicoptère doit déposer Steve Mc Queen sur le toit de l’ascenseur extérieur.

La destruction de la salle de réception a été réalisée en live, sur un plateau surélévé et spécialement équipé pour pouvoir être inondé. Aucun des acteurs principaux ne sera pas doublé pendant la séquence, et même Fred Astaire, avec plus de 70 ans au compteur, encaissera sans broncher le déluge de plusieurs tonnes d’eau. Pour plus de sécurité, sept caméras seront utilisées pour filmer l’action en une seule prise, le décor étant détruit par l’inondation.

La Musique

 

Bien avant que Jaws ou Star Wars ne le propulsent vers la célébrité, John Williams avait déjà collaboré plusieurs fois avec Irwin Allen, en particulier sur l’excellente partition de The Poseidon Adventure. Il était donc logique que le producteur lui demande de travailler sur cette nouvelle production. La musique est assez différente du style actuel du compositeur, elle est beaucoup plus sombre, retenue, discrète dans ses effets et son utilisation (il y a à peu près 50 minutes d’accompagnement sur 2 h 45 de film). En même temps, elle sait parfois occuper le devant de la scène. Le superbe générique (Main Title), de près de 5 minutes, est vraiment remarquable, par son approche rythmique et sa tonalité héroïque. De même, Trapped Lovers, qui accompagne la mort de Robert Wagner et de sa maîtresse, possède des moments assez grandioses, et le long morceau qui suit la préparation des charges pour le final est remarquable dans ses ruptures de ton et la façon dont il unifie différentes actions parallèles.

La musique a été éditée au moment de la sortie du film, dans un album qui reprenait les principaux morceaux du film, mais faisait quand même la part belle à pas mal de morceaux d'easy listening plutôt dispensables. Il faudra attendre une récente édition sur le label FSM pour pouvoir découvrir la partition dans son intégralité. Edition hélas épuisée car tirée à 3000 exemplaires, et s’arrachant sur le Net à des prix défiant toute concurrence. Autant pour la démocratisation de la musique de film !

Le Logo

 

L’aspect publicitaire du film est assez inhabituel pour un film de genre comme celui-ci. A l’époque, des designers comme Saul Bass avaient commencé à utiliser des graphismes particuliers et des logos pour les titres de films, mais cela n’était pas encore très courant. L’originalité de l’approche d’Irwin Allen, c’est de résumer à l’aide d’une seule image stylisée tout le sujet du film. The Poseidon Adventure avait utilisé cette formule avec succès, et The Towering Inferno continue dans le même sens. Notons également que le design du titre lui-même reflète le cadre « incendiaire » du film, avec un lettrage qui semble déformé par la chaleur.

Scènes coupées et version longue

Comme c'est parfois le cas sur les chaînes de TV américaines, le film a été diffusé dans une version plus longue que la version cinéma. Cela ne signifie pas que le montage final n'était pas conforme aux désirs d'Irwin Allen, cette "version longue" n'utilisant que des prises alternatives ou des éléments d'intrigue parfaitement dispensables. Vu la différence flagrante de qualité entre les éléments coupés et le reste du film, elle n'a donc pas été reconstruite pour l'édition en vidéo. Bien que ce métrage supprimé représente près de 45 minutes, il ne contient rien d'essentiel .A titre de curiosité, on pourra le visionner sur l'édition DVD collector ou le blu-ray du film.

En vidéo

Le film a connu des fortunes diverses en vidéo, surtout en France, à cause de sa production partagée entre deux studios, la Fox gérant la distribution aux USA et la Warner pour le reste du monde. La première édition parue en Amérique ne comportait aucun bonus, puis le film a été réédité plusieurs années plus tard dans une somptueuse édition collector… qui n’a malheureusement pas franchi l’Atlantique ! Warner, dans notre beau pays, se contenta d’une édition basique à l’image plutôt bonne qui (outre l’absence de bonus), n’avait qu’un seul défaut : un nouveau doublage français particulièrement exécrable, la VF originale (et culte… Marcel Bozzuffi y doublait Newman) étant passée à la trappe…

Surprise : lorsque le blu-ray Warner sort en France, il reprend pratiquement le contenu de l’édition collector Fox… et il y a de quoi faire ! Documentaires rétrospectifs, commentaires audio (non sous-titrés hélas), scènes coupées, bref largement de quoi rassasier le fan le plus exigeant. Ajoutons que, si la terrible VF refaite est toujours là, la qualité du transfert image est vraiment épatante, et rend du coup cette édition pratiquement indispensable pour tout fan du film qui se respecte.

Cheval de Guerre

(War Horse)

Film de Steven Spielberg (2011), avec Jeremy Irvine, Emily Watson, Peter Mullan, David Thewlis, Niels Arestrup, etc...

 

 

 

 

 

 

 

S’il y a quelque chose d’assez épatant dans l’œuvre de Steven Spielberg, c’est la dextérité et la rapidité avec laquelle il enchaîne des films qui n’ont rien à voir les uns avec les autres. A peine a-t’on savouré son magique Tintin que voici qu’il nous offre une épopée située pendant la guerre de 14-18. Après un divertissement de haute volée, Spielberg propose avec War Horse un film plein de grands sentiments et d’émotion.

 

 

 

 

War Horse s’est un peu ramassé au box-office, ça ne surprendra personne. Déjà, même au Strapontin où on est plutôt des fans hardcore de Spielberg, la bande-annonce ne nous avait pas franchement remués. Il y a des films comme ça qui sont mal vendus, que le marketing ne sait pas comment aborder et qui ne font pas envie au premier abord. Pourtant, mince… Spielberg, quoi !

 

 

 

En même temps, ça se comprend un peu, car en définitive, War Horse est un film en-dehors des modes, un retour flamboyant au classicisme, un mélange de conte et de réalisme. Pas étonnant, donc, qu’il ait peiné à trouver son public tant ce savoir-faire à l’ancienne a aussi peu droit de cité dans les productions actuelles. Et c’est d’ailleurs un sacré paradoxe de voir Spielberg aussi bien produire des âneries à la Transformers que signer cet hommage à un certain cinéma, tel que pouvaient le pratiquer John Ford ou David Lean.

 

 

 

 

Alors oui, il y a des clichés dans War Horse, c’est sûr. Il y en a plein, même, mais ce n’est pas l’un des moindres mérites de Spielberg que d’arriver à jouer avec pour transformer son récit et en faire quelque chose de plus grand que nature. Le film ne prétend pas être réaliste, et une bonne partie du plaisir de spectateur qu’on en retire, c’est que le réalisateur utilise ces poncifs sans aucune condescendance.

 

 

 

Il y a quelque chose de vrai et d’authentique dans le cinéma de Spielberg et la manière dont il implique émotionnellement le spectateur, et c’est particulièrement évident dans ce film. Même s’il s’agit d’un cinéma très fabriqué, il l’est toujours avec un sens de la mise en scène absolument imparable et un véritable talent de conteur. Regarder War Horse, c’est un peu comme écouter une belle histoire au coin du feu, et tant pis s’il y aura toujours une frange du public pour trouver ça plan-plan.

 

 

 

 

En même temps, cette histoire sait s’enrichir de développements inattendus, en laissant brusquement tomber les personnages qu’elle a campés dans sa première partie. Le cheval du film devient alors le fil conducteur de l’histoire au travers des hasards de la guerre. Une telle approche déstabilise et frustre le spectateur, qui se retrouve quelque part dans la même situation que l’animal, contraint de se familiariser avec de nouveaux protagonistes.

 

 

 

 

Le sens visuel de Spielberg est toujours intact, même si son style se fait plus classique. Aidé par une magnifique photographie de Janusz Kaminski, le réalisateur se fend même parfois de belles idées visuelles (l’exécution des déserteurs). La musique de John Williams, malgré son omniprésence, sait renforcer intelligemment l’émotion. Et puis il y a la séquence imparable, cette cavalcade dans les tranchées qui est assurément le plus beau moment du film et qui résume à elle seule toute son intensité.

 

 

 

Spielberg ne joue pas la redite, et n’essaie pas de donner aux séquences guerrières des faux airs de Soldat Ryan. Il sait, par contre, synthétiser toute l’horreur de la guerre en une idée forte (les barbelés), puis se servir de ce symbole pour résumer toute l’absurdité du conflit. L’espace d’une émouvante séquence, toute notion d’ennemi s’efface. C’est fait avec simplicité, naturel et générosité, dans un ton qui n’est pas sans rappeler celui de Frank Capra.

Le profond classicisme du film pourra en agacer certains. Il n’a d’ailleurs pas manqué de diviser la critique. Mais à une époque où le cinéma se résume souvent à des recettes et des exploits techniques, il est émouvant de constater qu’un réalisateur comme Spielberg sait encore faire parler sa sensibilité pour raconter simplement une belle histoire. Les cyniques ou les faux fans ne manqueront pas de lui reprocher son conformisme et son côté prévisible, alors que ce sont justement tous ces ingrédients qui en font toute la valeur. War Horse, s’il ne joue pas dans la même cour que les chefs d’œuvre du réalisateur, est en tout cas un très beau film, et c’est déjà beaucoup.

 

Complot de Famille

(Family Plot)

Film d'Alfred Hitchcock (1976), avec Karen Black, Barbara Harris, Bruce Dern, William Devane, Ed Lauter, etc...





















Parmi les derniers films d' Hitchcock, Family Plot n'a pas vraiment la côte. Il n'est de bon ton de dire que le Maître du Suspense n'était pas très inspiré pour ce dernier effort. C'est certain qu'à 80 ans, avec un stimulateur cardiaque, Hitch n'était pas non plus dans une forme olympique et qu'il aurait été vain d'attendre de lui un chef d'œuvre de la trempe de Psychose ou de Vertigo.

 

 

Pourtant, a l'arrivée, ce Family Plot se tient plutôt bien, c'est même une comédie plutôt recommandable, et tout à fait dans l'esprit d'un certain cinéma seventies. L'intrigue peut paraître simplette, mais on se rend vite compte que ce qui a intéréssé  Hitchcock, c'est l'entremêlement de deux histoires distinctes, qui finissent en définitive par fusionner. Le réalisateur passe allègrement sur les aspects un peu convenus du scénario et Family Plot devient, du coup, une véritable démonstration de style narratif.

 

 

Hitchcock, même dans ses films les plus faibles, reste fascinant dans la manière qu'il possède d'envisager les films comme de gigantesques équations: le but est d'obtenir une participation maximale du spectateur, et du coup, le réalisateur ne craint pas de privilégier tout ce qui peut l'encourager, et tant pis si cela peut paraître un peu scolaire à certains. C'est vrai que dans Family Plot, Hitchcock prend son temps pour récapituler tous les tenants et aboutissants du scénario. Du coup, cela donne au film une allure nonchalante et très détendue qui en fait une sorte de récréation.

 

 

Ce qui a pas mal joué contre Family Plot, c'est le fait que Hitchcock ait brillamment réussi Frenzy 2 ou 3 ans auparavant. D'un seul coup, il avait réussi à se réinventer après une série de films plus ou moins réussis, mais que la critique s'était accordée pour trouver bien inférieurs au reste de son œuvre. Donc forcément, se fendre d'une petite comédie gentillette la où on attendait un thriller implacable, ce n'était pas vraiment du goût de pas mal de monde.

 

Pourtant, ce Family Plot, malgré ses défauts, est plus que sympathique et bourré de petites touches Hitchcockiennes. Les deux intrigues parallèles se recoupent avec habileté, chacune menée sur un ton particulier: plus fantasque et déconneur avec le duo Barbara Harris/Bruce Dern, plus tenu et classique avec Karen Black et William Devane. Comme dans les meilleurs films du réalisateur, le scénario repose sur une confusion des identités et sur un personnage qui n'existe pas, Eddie Shoebridge. Ce n'est d'ailleurs pas la seule similitude: la séquence de la voiture sans freins évoque le début de La Mort aux Trousses, et Hitch n'a pas peur d'en faire des caisses dans l'humour un peu lourdingue avec les pitreries de son actrice principale. A d'autres moments, la mise en scène fait preuve d'une grande efficacité, comme durant la séquence du cimetière ou lors du rapt de l'évêque, qui montre que le réalisateur n'a rien perdu de son style inimitable.

 

 

En même temps, Family Plot est fidèle à un certain esprit seventies dans son esthétique et sa facture très classique. Mais Hitchcock ne se prive pas pour autant de quelques allusions douteuses qui, si elles ne sont pas d'une très grande finesse, restent fidèles à son esprit un peu frondeur. Il y a aussi une tirade contre la religion dont le cynisme surprend un peu, tant elle est à l'opposé d'un esprit somme toute assez bon enfant qui imprègne le film. Et puis il y a aussi ces petits détails, comme la perruque dans le frigo, qui sont tellement saugrenus qu'ils en deviennent carrément surréalistes.

 

 

C'est principalement cette ambiance conviviale et légère qu'on retiendra du film. A l'instar de la musique légère de John Williams, Hitchcock nous livre une œuvre malicieuse et espiègle, qui ne se prend pas au sérieux. On y retrouve, l'espace de quelques secondes, tout son talent et son sens de la mise en place. Peu importe alors que le reste soit parfois un peu mollasson et à la limite du téléfilm. Quelque part, Family Plot dégage un charme désuet, traversé de temps à autre par de petits éclairs de génie. Hitchcock nous quitte sur un clin d'oeil, un film mineur qui s'il n'est pas génial, s'avère tout de même fichtrement agréable.

Le Trombi:

Hitchcock avait assez mal digéré le fait d'avoir à payer des cachets astronomiques pour certains de ses films. Pour Family Plot, il choisira donc l'économie. Bruce Dern, qu'il avait déjà employé dans Marnie, sera préféré à Al Pacino, et William Devane à Burt Reynolds. Pour la petite histoire, Roy Thinnes (le David Vincent des Envahisseurs) sera engagé pour tenir le rôle d'Arthur Adamson, et sera débarqué en plein tournage et remplacé par Devane.

Karen Black

Bruce Dern

Barbara Harris

William Devane

Cathleen Nesbitt

Ed Lauter

J. Patrick Mc Namara

Charles Tyner

Warren J. Kemmerling

Katherine Helmond

Nicholas Colasanto

La Mise en Scène:
Family Plot a beau être un Hitchcock mineur, il contient tout de même quelques belles idées de mise en scène. La conception de l'intrigue est très géométrique, puisqu'il est question d'histoires distinctes qui se recoupent. Le premier point d'intersection intervient lorsque le taxi de George croise le chemin de Fran, la femme en noir. Alors que le spectateur était jusqu'alors resté dans la voiture, Hitchcock nous place à l’extérieur et en utilisant un ample mouvement de caméra, nous attache aux pas du nouveau personnage qu'il vient d'introduire. Bien évidemment, le public anticipe d'emblée le fait que la personne recherchée par Blanche a un lien avec tout cela, mais le réalisateur donne un minimum d'informations afin de permettre au spectateur de construire sa propre version de l'histoire.

L'approche géométrique est encore plus évidente dans la scène du cimetière, où la situation de base est inversée: ici un personnage détenteur d'un secret va chercher par tous les moyens a éviter de croiser George, qui est en quelque sorte le point d'identification du spectateur. Hitchcock avait d'ailleurs baptisé ce plan le "Mondrian shot", en référence aux oeuvres de Piet Mondrian, caractérisées par des formes rectangulaires très marquées.

La Voiture:
La séquence de la voiture sans freins est, comme nous l'avons dit, une citation à peine déguisée de la séquence de La Mort aux Trousses, où un Cary Grant bourré comme un coing tentait d'échapper à des tueurs. Ici, la situation est différente, puisque la voiture a été sabotée au préalable. Le spectateur sait qu'il sait passé quelque chose, mais il ne sait pas quoi. Hitchcock nous indique donc ce qui s'est passé grâce à un plan du dessous de la voiture.

Pendant toute la séquence, la caméra alterne entre des plans des deux personnages et leur point de vue. Le concept du réalisateur joue sur le fait de mettre le spectateur dans la même situation que les protagonistes, en concentrant l'action à l’intérieur de la voiture. Afin d'intensifier la menace, le réalisateur insère un court insert sur les marques du liquide de freinage sur la route.

 

Le Kidnapping:
Le moment le plus représentatif du style Hitchcock est probablement l'enlèvement de l'évêque. Le découpage se focalise sur des petits détails en gros plan (la seringue, le visage de la victime), montés sur un rythme très soutenu. Le fait que la séquence soit quasiment muette renforce l'impact des images.

 

Le Garage:
Un autre exemple de découpage se situe lorsque Blanche se retrouve confrontée à Adamson et Fran dans le garage. Les deux kidnappeurs doivent partir échanger l'évêque contre la rançon, et ce dernier est allongé dans la voiture, drogué. Hitchcock fait naître le suspense à partir d'un bout de son aube qui dépasse de la portière. Ici, le spectateur et un des personnages sont au courant d'un élément que les autres ignorent. Le suspense naîtra ici de la manière dont Fran tentera de camoufler ce détail. Le réalisateur crée la surprise avec un effet inattendu, renforcé par l'utilisation du gros plan: la tête de l'évêque qui bascule par la portière.

La lutte de Blanche contre Adamson est filmée en plans très serrés, caméra à l'épaule, et les mouvements incessants du cadre renforcent l'impression de violence. C'est un procédé qu'Hitchcock avait également employé dans La Mort aux Trousses. La tache de sang sur le chemisier évoque Marnie, même s'il est clair que la citation n'est pas implicitement voulue par le réalisateur.

 

 

La Musique:
Hitchcock a toujours eu une approche très musicale de la mise en scène. Dans ses meilleurs films, la musique de Bernard Herrmann tenait un rôle prépondérant. cependant, dans ses derniers films, le réalisateur avait eu du mal à trouver un compositeur à sa mesure. John Williams, tout frais sorti de l'expérience de Jaws, livre avec Family Plot une partition inattendue, à la fois légère et pleine de suspense. Beaucoup d'éléments, nottament l'utilisation des choeurs, évoquent ce que fera Williams l'année suivante dans Rencontres du Troisième Type, et l'utilisation du clavecin accentue le côté insouciant et souriant de l'intrigue. A l'époque, le compositeur n'avait pas connu le carton de Star Wars, et son style avait su garder une certaine fraîcheur. Assez curieusement, aucun disque ne sera édité au moment de la sortie du film, et il faudra attendre près de 35 ans pour que la partition soit enfin éditée. Bien que s'agissant d'une édition limitée, elle est toujours disponible sur le site de l'éditeur.

L'apparition d'Hitchcock:
C'est connu, le Maître du Suspense faisait toujours une petite apparition clin d'oeil dans chacun de ses films. Celle de Family Plot, la toute dernière, est particulièrement émouvante, puisqu'elle annonce en filigrane la conclusion de l'oeuvre du réalisateur. Il n'apparaît pas en personne, mais en ombre chinoise sur la porte d'un bureau d'état-civil. Une belle manière de tirer sa révérence.

 

En vidéo:
Considéré par beaucoup comme un Hitchcock mineur, Family Plot a tout de même eu droit à une édition DVD soignée, avec un reportage rétrospectif, Plotting Family Plot, qui sera un vrai régal pour les fans du film. Tous les acteurs principaux (à l'exception de Barbara Harris) y vont de leur petit souvenir d'un tournage apparemment très plaisant, et il y a même une petite section consacrée à la musique. On ne peut malheureusement pas dire que le transfert vidéo ait été réalisé avec autant de soin, puisque c'est vraiment l'un des plus mauvais de la collection parue chez Universal. Le blu-ray n'apporte malheureusement pas davantage d'amélioration, avec une image mal définie et pleine de défauts. Décidément...