Le Cercle des Poètes Disparus

(Dead Poets Society)

Film de Peter Weir (1990), avec Robin Williams, Robert Sean Loenard, Ethan Hawke, Kurtwood Smith, Norman Lloyd, etc…

 

Difficile d'évoquer la disparition de Robin Williams sans se remémorer sa prestation dans le magnifique film de Peter Weir. Le personnage de guide spirituel qu'était John Keating, la façon dont il a changé la vie de ces ados, quelque part, ça se rattache aussi à ce que nous avons pu éprouver par rapport aux différentes prestations de cet acteur qui a su négocier son passage de la grosse comédie pas très finaude vers des films plus humains, dont Dead Poets Society est l'un des plus beaux représentants.

Le film reprend des schémas connus : le professeur qui s'avère être une source d'inspiration pour ses élèves. L'habileté du scénario, c'est qu'il met cette démarche en parallèle avec un cadre extrêmement rigoureux, celui d'une grande école américaine. L'époque ne sera pas non plus datée avec précision, bien qu’elle évoque beaucoup les années 50. Cela confère à l'histoire une dimension très universelle, et en fait presque une parabole sur la soumission à un système, et les ressources dont peut disposer tout un chacun pour y résister.

 

 

 

Le personnage de John Keating va donc débarquer dans le monde bien ordonné et strict de ces adolescents pour une merveilleuse leçon de vie. C'est la poésie qui va servir de tremplin à cet apprentissage. La poésie qui devient, par extension, un reflet du monde tel que l'a ressenti et dépeint l'artiste. C'est cette vision différente du monde que Keating va apprendre à ses élèves, le simple geste de monter sur leur pupitre devenant du même coup le symbole de cette démarche et de cette nouvelle perspective sur le monde.

 

 

 

Il y a, à la base, un scénario très subtil, qui nous intègre progressivement dans cette démarche de recherche de la  différence et de l'originalité. Les "leçons" dispensées par Keating ne sont pas toujours d'inspiration très égale. Celle sur le terrain de foot parait même franchement inutile. De même, les ados sont peut-être un petit peu trop dociles, mais en même temps, il ne faut pas oublier qu'il s'agît là de jeunes évoluant dans un environnement très strict, même au point d'en devenir parfois un petit peu trop caricatural.

 

 

 

 

C'est le personnage de Todd qui va cristalliser toute cette démarche. Timide et renfermé, il va apprendre petit à petit à trouver sa place et à se lâcher, notamment lors d'une fabuleuse séquence lors de laquelle Keating le fait passer au tableau. L'adolescent, d'abord replié sur lui-même, va au fur et à mesure se laisser aller, au point de laisser sortir des sentiments qu'il gardait jusqu'alors enfouis. Aussi bien dans le jeu remarquable du jeune (mais déjà talentueux) Ethan Hawke que dans la façon dont Robin Williams lui donne la réplique, parfois d'un regard, c'est vraiment du grand art.

 

 

 

Williams est ici totalement en rupture avec les personnages de gentils rigolos dont il s'était fait une spécialité jusqu'à présent. Il se dégage de sa performance une profonde humanité, à laquelle quelques petites touches d'humour viennent apporter une distance bienvenue. Le seul bémol, c'est peut-être ce besoin de l'acteur de partir en roue libre à certains moments, comme celui où il se livre à un festival d’imitations. C'est un peu la scène de trop, un peu comme si le réalisateur Peter Weir avait permis à l'acteur de se lâcher et qu'il fallait à tout prix montrer qu'il était aussi un fabuleux humoriste ou un imitateur hors-pair.

 

 

 

 

Beaucoup ont critiqué la manière dont le film bifurque vers le drame dans sa dernière partie. Il fallait pourtant un moment fort pour réaffirmer la toute puissance de l'establishment, et en l'occurrence la direction du collège. Les ressorts sont éprouvés et connus, mais ils fonctionnent, en particulier grâce à la performance toute en finesse de Robert Sean Leonard dans le rôle de Neil. Au travers de la destitution de Keating, c'est toute une part de différence, une pensée à contre-courant qu'on musèle et qu'on assassine. C’est aussi une prise de conscience douloureuse pour Keating lui-même, qui voit son enseignement lui échapper. Ce désir de liberté d’esprit qu’il a suscité chez ses élèves est irrémédiablement tué dans l’œuf par un environnement familial et scolaire trop strict.

 

 

 

 

 

L'épilogue montre pourtant qu'il restera quelque chose de cet enseignement dans le cœur et dans l'esprit de ces élèves. L'espace d'un instant, ils tiennent tête à l'autorité pour rendre un dernier hommage à leur mentor. C'est une scène formidable, aussi bien dans la simplicité de son message que dans la beauté symbolique de leur geste de défiance. Elle cristallise toute la peine et la frustration que nous-mêmes spectateurs avons accumulé pendant ces dernières minutes, sous la forme d'un grand moment d'émotion.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Peter Weir, au travers de réussites majeures et aussi diverses que Witness ou The Truman Show, est un cinéaste qui n'oublie jamais l'humain, et qui sait laisser parler les sentiments à leur juste mesure. La toute dernière image de Dead Poets Society nous montre Todd, dont nous savons bien intérieurement que cet enseignement a bouleversé la vie à jamais. L'aventure, pour lui, ne fait que commencer.

 

 

 

 

Le Trombinoscope

 

Assez curieusement, parmi les jeunes acteurs qui donnent la réplique à Robin Williams, c’est justement Ethan Hawke qui fera la plus belle carrière à la suite de ce film. Les autres auront un parcours beaucoup plus discret, pour la plupart centré sur la télévision. On verra Robert Sean Leonard dans quelques films (dont Le Temps de L’Innocence de Scorsese), avant qu’il ne se tourne lui aussi vers la télé, notamment dans la série Dr House. Parmi les adultes, on reconnaitra Kurtwood Smith, qui avait joué un méchant mémorable dans le Robocop de Paul Verhoeven. Quant à Norman Lloyd, qui interprète le directeur, il a joué dans plusieurs films d’Hitchcock des années 40 (entre autres, Correspondant 17, dont on vous parle ici).

 

 

 

La scène finale

Moment fort du film, la toute dernière séquence est un exemple de construction dramatique, qui manie l’émotion avec une très grande habileté. Keating a été renvoyé car les jeunes de sa classe ont été mis dans l’obligation de signer un faux témoignage à son encontre. Il doit récupérer ses affaires lors d’un cours, que le proviseur assure lui-même. La scène commence sur un mode presque comique alors que le public se rappelle, par le biais d’un petit clin d’œil, l’un des premiers exploits du professeur, qui avait incité ses élèves à arracher certaines pages de leur manuel de poésie.

Pendant toute la scène, la tension nait d’un échange de regards entre Todd et Keating. Le spectateur sait que le garçon est bouleversé par ce qu’il s’est passé et qu’il ne tolère pas non plus l’injustice que cela provoque. La question qui se pose alors est de savoir si Todd osera aller contre sa timidité pour faire comprendre au professeur que tous ont été forcés de témoigner contre lui. Les gros plans du visage de Todd nous font ressentir son malaise, et le réalisateur les alterne avec des plans plus larges, qui le resituent (et l’isolent) dans l’univers strict de la classe.

 

 

Le réalisateur joue avec les attentes du spectateur et nous fait attendre jusqu’au dernier moment, alors que Keating va quitter la classe, pour faire intervenir Todd. Son intervention se fait en plan large, pour rendre encore plus palpable le caractère oppressant de la salle de classe. Celle du proviseur, par contre, se fait en gros plan, comme pour “écraser” visuellement la révolte de l’enfant.

 

 

Le seul recours qui reste à Todd, c’est de montrer sa rébellion par un geste simple : monter sur un pupitre. L’idée est très forte car ce geste de révolte est la base, le symbole-même de l’apprentissage de Keating : s’obliger à changer de perspective pour voir le monde différemment. La puissance de la séquence vient justement du fait que nous spectateurs sommes les seuls à partager cette symbolique avec Keating et ses élèves, et qu’elle reste indéchiffrable pour l’autorité. Notez également comment la place occupée par le proviseur dans le cadre a changé : il est désormais sur un plan d’égalité avec les élèves. Keating, par contre, est mis en valeur par un cadrage plus serré. Visuellement, cela renforce son sentiment intérieur de triomphe, mais cela permet également au spectateur de se focaliser sur l’émotion qu’il va chercher à lire sur son visage.

 

 

Cette émotion vient également de la manière dont ses camarades le suivent ensuite dans sa démarche, pour rendre un hommage collectif au professeur. C’est aussi une opportunité pour le réalisateur de “passer en revue” les différents élèves et permettre au spectateur de se remémorer leurs caractères respectifs. Le film s’est construit à partir de leur différentes personnalités, et du coup la séquence propose un joli résumé de chacune de leurs contributions. C’est aussi le moyen pour les élèves de tenir tête à l’autorité, tout en réaffirmant la valeur de ce que Keating leur a appris.

 

 

Le réalisateur sait également créer la surprise en intégrant à ce mouvement des élèves dont on s’est dit qu’a priori, ils n’étaient pas très réceptifs à l’enseignement de Keating. Le film ne précise pourtant pas pour quelle raison ils se joignent à ce geste, c’est à chacun d’imaginer le pourquoi, mais le simple fait qu’ils s’y associent provoque un élan de sympathie supplémentaire, notamment pour l’un d’entre eux qui s’était clairement désigné comme réfractaire aux idées du professeur.

 

 

Le cadrage et le montage mettent en valeur les gestes de chacun. Les plans en contre-plongée renforcent la présence de ceux qui sont montés sur les tables, affirmant visuellement leur présence et leur supériorité alors que le proviseur est clairement dépassé par l’effet de groupe qui se crée. C’est une figure dérisoire qui gesticule dans la salle de classe sans pouvoir

 

 

Un des derniers plans du film nous montre plusieurs des élèves debout dans la salle de classe. Le plan large, qui avait été jusqu’alors utilisé pour renforcer le côté strict de l’univers scolaire, prend alors ici toute sa signification, puisqu’il nous montre les jeunes s’approprier, l’espace d’un instant, un cadre qui est censé les étouffer et les briser. C’est une image de triomphe, un triomphe qu’on sait éphémère puisque l’autorité de l’école reprendra ses droits, mais dont on sait qu’il subsistera toujours quelque chose dans le cœur de ces adolescents.

 

 

La Musique

Quand on parle de Maurice Jarre, on pense fatalement à Lawrence d’Arabie ou à Docteur Jivago, avec leurs grands élans romantiques. C’est oublier que le compositeur frenchy a connu une belle carrière aux USA, dans des genres assez disparates, passant allègrement du film de guerre au western, en passant par le film d’aventures. Il sera amené à collaborer avec Peter Weir pour L’Année de Tous les Dangers, et le réalisateur le réemploiera à plusieurs reprises par la suite. Dead Poets Society correspond à la période “électronique” du compositeur, à une époque où beaucoup de films misaient sur des partitions uniquement réalisées sur synthétiseur. Cela a donné du bon et du moins bon, mais Maurice Jarre s’est clairement positionné comme l’un des plus talentueux dans ce domaine (on n’est pas le père de Jean-Michel pour rien !), comme l’atteste sa musique pour Witness, un autre film de Peter Weir.

Sur disque, c’est un peu particulier, car Dead Poets Society ne contient pas beaucoup de musique (15-20 minutes à tout casser), et du coup, on a complété le disque avec d’autres compositions de Jarre pour le réalisateur. Cela n’enlève rien à l’efficacité de la musique, qui apporte un plus non négligeable en matière d’émotion à la séquence finale. Keating’s Triumph, avec ses cornemuses synthétiques, est le magnifique point d’orgue d’une composition qui sait parfaitement s’effacer devant le film qu’elle accompagne.
CD facilement trouvable sur le net.

 

En vidéo

Comme pour beaucoup de films édités lors des débuts du support, le tout premier DVD de Dead Poets Society n’est pas brillant brillant. Le film, rien que le film, point barre. Trois ans plus tard, en 2002, une édition spéciale propose un contenu beaucoup plus étoffé: un documentaire rétrospectif, un entretien avec le sound designer Alan Splet, une master class du directeur photo John Seale, un commentaire audio, des scènes coupées… De quoi compléter idéalement la vision du film, même si le doc est un peu court et pâtit de l’absence de Robin Williams. Les scènes coupées sont, quant à elles, plutôt anecdotiques, et montrent combien Peter Weir est arrivé à conserver l’essentiel. Niveau image, le disque souffre, comme beaucoup de titres édités par Disney/Touchstone, d’un manque de contraste, mais le transfert est propre et satisfaisant, tout comme le son. Le blu-ray, paru en 2012, reprend les bonus de l’édition spéciale, mais ne vous attendez pas à un piqué exceptionnel : la photographie douce et très diffusée du film ne s’y prête pas vraiment.

 

The Fisher King

Film de Terry Gilliam (1989), avec Jeff Bridges, Robin Williams, Mercedes Ruehl, Amanda Plummer, Michael Jeter, etc…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Parmi les personnages déjantés incarnés par Robin Williams, celui de The Fisher King est assez gratiné. On est dans un film de Terry Gilliam, me direz-vous: ceci explique donc cela. Forcément, on n’allait pas s’attendre non plus à un monument de classicisme. De même, le réalisateur, plombé par l’échec financier monumental de son Baron Munchausen, laisse ici tomber ses délires et reste sagement dans les clous. Mais bien que film de commande, The Fisher King n’en reste pas moins un film très personnel, qui possède un ton bien à lui et des personnages attendrissants.

 

Soyons juste: l’ensemble a un peu vieilli. Les effets de mise en scène de Gilliam, cette impression d’empilement de plein de choses hétéroclites qui fait son cinéma, ça laisse une première impression un peu bordélique, d’un film foutraque qui part un peu dans tous les sens. On a également un peu de mal à s’identifier au personnage principal, Jack, joué par un Jeff Bridges qui en rajoute dans le craspec. C’est l’histoire elle-même qui va finir par s’imposer, une fois les différents éléments mis en place.

 

 

 

 

Et c’est une bien belle histoire que celle de ce Fisher King. Une histoire de rédemption, ou comment un animateur radio cynique et revenu de tout va être amené à se racheter auprès d’un clodo magnifique, Parry (Robin Williams) dont il a par mégarde démoli la vie. Au point de l’assister dans une quête du Graal en plein New-York et de l’aider à conclure avec la femme de ses rêves (Amanda Plummer). C’est totalement inattendu, parfois parfaitement incongru mais ça fonctionne, en grande partie grâce au talent visuel de Gilliam, qui transforme tout ce petit monde en magnifique cour des miracles.

 

 

 

 

Le scénario est ouvertement mélo, ce qui n’étonne qu’à moitié quand on sait qu’il est signé Richard LaGravenese, qui excellera dans ce domaine, au point même de produire quelques beaux nanars. Néanmoins, l’homme, quand il est inspiré, sait créer des drames fragiles et touchants, comme Sur La Route de Madison. Son script pour Fisher King évite les chausses-trappes du genre, aidé considérablement il est vrai part la mise en scène très originale de Terry Gilliam. Sur la fin, le film bifurque carrément vers la tragédie et va jusqu’au bout de sa logique en illustrant le trauma de Parry, lors d’une séquence d’une puissance imparable, magnifiée par la superbe photographie de Roger Pratt.

 

 

 

 

Que ce soit dans la poésie pure, comme cette très belle scène qui transforme la gare de Grand Central en salle de bal, ou dans l’évocation du trauma de son héros (le cavalier rouge qui fait furieusement penser aux créatures de Brazil), le sens visuel du réalisateur complète admirablement tout le versant émotionnel du film, servi par des acteurs remarquables. Robin Williams est, une fois de plus, superbe, mais la palme revient à Michael Jeter. Ce merveilleux acteur, qu’on retrouvera notamment dans La Ligne Verte, compose ici un SDF à la fois drôle et déchirant.

 

 

 

A la fois brouillon et bouillonnant, The Fisher King a un peu les défauts de ses qualités. Mais malgré ses quelques passages à vide et son originalité parfois un peu forcée, le film s’avère particulièrement touchant. Si ce n’est pas – et de loin – le film le plus personnel de Terry Gilliam, c’est certainement le plus attachant.

 

Photo Obsession

(One Hour Photo)

Film de Mark Romanek (2000), avec Robin Williams, Connie Nielsen, Gary Cole, Michael Vartan, Erin Daniels, etc…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Parmi les innombrables performances de Robin Williams, One Hour Photo est certainement la plus atypique et la plus impressionnante. Ce petit film, passé plus ou moins inaperçu, est pourtant un de ceux dans lesquels l’acteur se donne réellement à fond, sans crainte de surprendre en s’aventurant au-delà des numéros balisés et gentillets dont il avait l’habitude. C’est, à vrai dire, une surprenante méditation sur la solitude et l’aliénation qu’elle finit par entrainer.

 

Le scénario, très ingénieux, nous raconte l’histoire de Sy Parrish (c’est Robin Williams) et de son obsession pour la famille d’une de ses clientes (Connie Nielsen), dont il développe les photos. Le film n’explique jamais réellement la cause de cette fascination, mais dépeint admirablement cet homme seul et sans amis, qui vit en quelque sorte par procuration à travers ce qu’il apprend de la vie des autres. Ce qui le rend émouvant, c’est ce désir profond de vouloir être accepté, qui va petit à petit l’amener à franchir la limite.

 

 

 

 

Robin Williams donne vie à ce personnage avec une sobriété et une tenue exemplaires, sans aucun des tics qui ont pu handicaper son jeu par le passé. Son jeu, d’une étonnante retenue, nous fait entrer dans l’univers de Sy sans jamais forcer le trait. Tout au contraire, au travers d’un sourire ou d’une gestuelle, il nous fait saisir toute la misère et la profonde tristesse de son univers, rendant du coup encore plus touchante sa tentative de reconnaissance et d’intégration. Quelque part, je ne peux m’empêcher de penser, au travers de la tragique disparition du comédien, que Williams avait parfaitement saisi et compris la profonde détresse de son personnage.

 

 

 

Le film est moins réussi dès qu’il cède à la facilité et sort un peu des rails, avec des séquences de rêve un peu grossières. De même, le rythme très relâché pourra en rebuter certains. Mais pour le reste, la réalisation sait s’accorder à la rigueur de son sujet, même si quelques belles idées (comme la présentation en voix off des clients de Sy) paraissent un peu plaquées sur l’ensemble. Mark Romanek, réalisateur rare venu du vidéo-clip, signe ici une œuvre dépouillée, qui déroute et fascine par la finesse de son observation. Une réussite.

 

La Délicatesse

Film de David et Stéphane Foenkinos (2011), avec Audrey Tautou, François Damiens, Bruno Todeschini, Pio Marmaï, Mélanie Bernier, etc…

 

Il y a des rôles qui vous marquent à vie, et il est clair que chacune des prestations d'Audrey Tautou ne peut être qu'inévitablement comparée à celle d'Amélie Poulain. Ce serait dommage pour ce petit film qui porte si bien son titre. Love story atypique, La Délicatesse est tout entier porté par les belles prestations de ses acteurs. Tautou et François Damiens forment un couple inattendu et séduisant, dont les démêlés romantico-sentimentaux font souvent sourire. Bref, La Délicatesse a tout le pedigree d'un feel good movie.

 

 

 

Il y a quelques passages à vide, une ou deux maladresses, mais le film se rattrape avec une sincérité à toute épreuve. David Foenkinos, qui adapte ici son roman avec l'aide de son frère Stéphane, arrive ici à nous cueillir au détour d'une scène bien sentie. Même si, quelque part, on aurait aimé en savoir un petit peu plus sur les personnages, notamment sur celui de Markus. Damiens en fait une sorte de pierrot lunaire bien sympathique, mais qui aurait gagné à être un peu étoffé. Le virage final vers quelque chose de plus profond y aurait gagné. Mais peu importe. Bercé par les chansons fragiles d'Emilie Simon, La Délicatesse est un petit plaisir qui porte plus que bien son titre.

 

Les Dix Commandements

(The Ten Commandments)

Film de Cecil B. DeMille (1956), avec Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne de Carlo, etc…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Il y a quelque chose dans Les Dix Commandements qui parle directement à une sensibilité d’enfant. C'est un grand spectacle biblique qui n'a pas peur de ses ambitions, fait dans l'énorme et le démesuré, et qui resta pendant bien longtemps comme le mètre-étalon dans son domaine. Budget record (on pourrait presque le qualifier de pharaonique!), figuration imposante, effets spéciaux révolutionnaires (pour l'époque) ... Aujourd'hui que reste-t'il de tout celà ? Une énorme pâtisserie, un monument de kitsch qui fait plus d'une fois sourire, mais qui représente indéniablement une date dans l'histoire du cinéma.

 

 

Le nom de Cecil B. de Mille ne parlera sans doute pas aux nouvelles générations, mais au même titre que Hitchcock en matière de suspense, l'homme a tout de même laissé une trace dans l'histoire des gros budgets. Un brin mégalo (il apparaît d'ailleurs dans une introduction filmée), DeMille c'est une sorte de papa gâteau qui gèrerait des projets colossaux et grandioses. Catho bon teint, le père DeMille ne révolutionnera pas le 7ème art grace au style de sa mise en scène ou les performances de ses acteurs. Non, sa spécialité à lui, c'est le démesuré, le titanesque. Et il faut reconnaitre, avec le recul, qu'il fallait tout de même un sacré sens du spectacle pour arriver au résultat qu'il obtient ici.

C'est moins grâce aux effets spéciaux (souvent ratés à l’exception de la grosse scène de la Mer Rouge) qu'à une impressionnante figuration que le film impressionne encore aujourd'hui. A une époque où les infographistes multiplient d'un clic de souris les foules numériques comme des petits pains, on reste admiratif devant le travail incroyable qu'a pu demander la coordination de telles scènes, pleines à craquer de figurants ou d'animaux divers et variés.  Ça fourmille de détails incroyables, tellement que le film doit obligatoirement être vu sur grand écran pour être pleinement apprécié (les cinéphiles de la génération du Strapontin y ont forcément eu droit).

 

 

 

 

On ne peut regarder Les Dix Commandements sans un brin de nostalgie pour ce cinéma de carton-pâte qui a fait les beaux jours d'Hollywood. Les ressorts dramatiques sont archi-éprouvés et suffisamment universels pour parler à chacun, et même s'il s'inspire des textes bibliques, l'histoire de Moïse est également fidèle à un certain esprit américain dans lequel le héros tombe au plus bas et triomphe de l'adversité. A sa manière, le film est une grande saga et si sa durée excessive (près de 4 heures) peut faire peur, DeMille arrive tout de même à maintenir l'intérêt du spectateur, même si la dernière partie se résume principalement à un bras de fer un peu longuet entre Moïse et Pharaon.

 

 

 

Bien entendu, il ne faut pas attendre des merveilles d'un casting pourtant top moumoute. Charlton Heston apporte toute sa conviction au rôle de Moïse, et parmi tous les autres, on remarquera plus volontiers Edward G. Robinson dans le rôle de l'infâme Dathan et un Vincent Price plutôt effacé dans le rôle d'un contremaitre égyptien. Les acteurs sont davantage des éléments, presque des détails, au service d'une gigantesque tapisserie, mise en images avec application, mais aussi une indéniable ferveur qui dérape plus d'une fois dans le cucul et le saint-sulpicien. Le film affiche bien son âge dans ce mélange de mauvais gout hollywoodien et de carton-pâte.

 

 

 

 

Mais DeMille avait tout de même, à l'époque, tout compris de la notion de spectacle. A savoir qu'il fallait donner au public du jamais-vu, de l'inédit. Du coup, avec les ressources techniques limitées et le savoir-faire de l'époque, il réussit tout de même à créer un spectacle grandiose, dont le clou, la séquence de la Mer Rouge, étonne encore plus d'un demi-siècle après sa réalisation. Les effets spéciaux parfois rudimentaires ont ce mélange d'ingéniosité et de merveilleux, mais ils sont surtout soutenus par une mise en place soigneuse qui pousse au maximum leur potentiel dramatique. DeMille sait comment les mettre en valeur, à grand coups de dialogues ampoulés ou de répliques péremptoires et menaçantes qui font partie de ce plaisir jubilatoire et un peu gamin qu'on éprouve à la vision du film.

 

 

 

Grosse pièce montée, Les Dix Commandements a les défauts de ses qualités: trop riche, trop sucré et trop bourratif, il impressionne plus d'une fois et fait certainement saliver, mais on cale un peu lorsqu'on arrive au bout. Unique mais définitivement pas pour les estomacs fragiles.

 

 

Les Effets Spéciaux

Clairement, Cecil B. DeMille a mis les petits plats dans les grands. Par rapport aux films réalisés à la même époque, Les Dix Commandements comporte une quantité plus que significative d’effets spéciaux en tout genre, ce qui explique sans doute en partie le budget colossal du film. DeMille travaillait d’ordinaire avec Gordon Jennings, responsable de ce département à la Paramount, mais ce dernier décéda durant la mise en chantier du film. C’est donc John P. Fulton, l’un des artistes les plus réputés de sa profession, qui prendra en charge les effets. Pour mémoire, Fulton a été rendu célèbre par son travail innovant sur la version 1933 de L’Homme Invisible. Il recevra un Oscar pour son travail sur le film de DeMille.

 

  

Le film mélange habilement des prises de vues captées sur les lieux-mêmes de l’action, qui ont été ensuite utilisés comme arrière-plans pour l’incrustation des acteurs.

 

C’est malheureusement dans ce domaine que le film pêche, car tout ce qui est incrustations reste tout de même d’une qualité plus que discutable. On a (sur)utilisé la technique de l’écran bleu, mais suite à des problèmes d’alignement optique qui n’étaient pas bien maitrisés à l’époque (et aussi d’une post-production bouclée à la va-vite), le résultat est souvent très médiocre. Les découpes autour des acteurs, ou même autour des décors, sont vraiment extrêmement voyantes. Cela participe un peu à l’effet carton-pâte du film, mais le résultat fait tout de même un peu bâclé.

 

 

Par contre, le film utilise une quantité impressionnante (plus d’une centaine)  de matte paintings, des fonds peints sur verre, dont la plus grosse partie seront réalisés par Jan Domela, qui était l’artiste “maison” de la Paramount. Certaines de ses peintures, comme celles du mont Sinaï, sont particulièrement impressionnantes par l’ambiance très particulière qu’elles dégagent. 

 

 

Les Dix Commandements utilise également les effets d’animation, un peu comme avait pu le faire une production MGM de la même époque, Planète Interdite. Le film en fait cependant un usage beaucoup plus intensif, et là encore, la technique montre ses limites. Les colonnes de feu animées sont effectivement plaisantes à l’œil, mail il leur manque un certain relief, en dépit du fait que DeMille use et abuse des effets de perspective (notamment lors de la scène où sont gravés les dix commandements).

 

 

L’animation est également utilisée pour des effets précurseurs du morphing, comme celui où le bâton de pèlerin de Moïse se transforme en cobra. Le serpent est d’abord animé, puis superposé à une prise de vues live lorsque le mouvement de l’animal et celui l’animation correspondent exactement.

 

Le gros morceau du film, c’est bien évidemment la séquence de la Mer Rouge, dont le secret a été jalousement gardé pendant des années. La séquence a été en fait réalisée dans un bassin, construit avec une tranchée centrale, qui était inondée par le contenu de deux énormes réservoirs. La séquence était alors projetée à l’envers pour montrer les flots s’ouvrir. De nombreux tests furent effectués, mais l’eau n’ayant pas la densité requise, son écoulement n’était pas assez réaliste. Fulton utilisa donc de la gélatine diluée dans l’eau afin de lui donner l’épaisseur nécessaire. Cette séquence est restée pendant très longtemps l’effet spécial le plus cher jamais réalisé.

 

Les murs d’eau qui encadrent les acteurs étaient en fait des chutes d’eau, dont l’image a été renversée perpendiculairement pour donner cet effet d’écoulement vers le haut.

 

En vidéo

Les Dix Commandements est un titre-culte pour la Paramount. Le film est même régulièrement rediffusé à Paques à la télé américaine. C’est dire si son édition vidéo a été soignée. En DVD, il y a d’abord eu une édition parue en 2001 sans le moindre bonus, car à l’époque Paramount ne croyait pas vraiment au succès du support et tâtait un peu le terrain et le marché. Le film était réparti sur deux galettes, avec 3 bandes-annonce en supplément. Trois ans plus tard, une édition collector bien plus fournie est disponible. Parmi les extras, on trouve un commentaire audio, un reportage sur la première du film, et en pièce de résistance, un documentaire en 6 parties qui couvre toute la production du film. C’est fait sur un ton très promotionnel, mais il y a quelques anecdotes sympathiques. Par contre, la qualité d’image n’est pas vraiment terrible, et accentue les défauts des effets spéciaux. Le film sera restauré pour sa sortie en blu-ray, avec un piqué et une définition qui rendent justice au format VistaVision dans lequel le film a été tourné. Malheureusement, on perd en route tous les bonus de la précédente édition. La politique des éditeurs quant à la reprise de suppléments existants reste décidément incompréhensible !

Pour les collectionneurs, il existe une édition de 6 disques parue dans un luxueux coffret, avec des reproductions des tables de la Loi (si!). C’est un import américain, mais compatible avec les platines françaises.