Les Emotifs Anonymes

Film de Jean-Pierre Améris (2010), avec Benoît Poelvoorde, Isabelle Carré, Lorella Cravotta, Lise Lamétrie, Swann Arlaud, etc...

L’idée de faire un film sur les hyper-émotifs était plutôt sympathique. Ce n’est pas souvent que le cinéma s’intéresse à ce handicap social qui touche malgré tout pas mal de monde. En plus, le réalisateur avait le bon goût de reconstituer le couple Benoit Poelvoorde-Isabelle Carré, qui avait vraiment bien fonctionné dans Entre ses Mains. Bref, Les Emotifs Anonymes avait vraiment toutes les cartes en main pour être une réussite.

Au final, le résultat s’avère sympa, sans plus. Le film a la maladresse touchante des timides qu’il dépeint, et il y a, de temps à autres, quelques scènes bien senties et finement observées. Il y a aussi, hélas, un humour qui ne fait pas vraiment mouche, des quiproquos tellement lourdingues qu’ils tombent bien souvent à plat. Bref, le film se loupe complètement dès qu’il s’essaie à faire de la comédie. C’est ballot, parce que dans le fond, on ne le lui demandait pas vraiment. C’est rageant, surtout, parce qu’on sent à de nombreuses reprises que le réalisateur Jean-Pierre Améris a bien saisi son sujet et les réactions de ses personnages. Alors pourquoi ce besoin de jouer aussi ostensiblement la carte de la fantaisie à tout prix ? Manque de confiance dans son sujet ? Peut-être. En tout cas, quelque part, le pari a tout de même été payant puisque Les Emotifs Anonymes a plutôt bien marché en salle. C’est bien, mais ça nous prive d’un film qui aurait pu être franchement bien au lieu d’être juste … sympa !

La Petite Boutique des Horreurs

(Little Shop of Horrors)

Film de Frank Oz (1985), avec Rick Moranis, Eileen Greene, Vincent Gardenia, Steve Martin, Bill Murray, etc...

 

 

 

 

 

 

 

A priori quoi de plus improbable qu’une comédie musicale mettant en vedette une plante carnivore et mise en scène par un des créateurs des Muppets ? Raconté comme ça, ça peut paraître méchamment branque ou parfaitement crétin. Pourtant, Little Shop of Horrors parvient à surprendre et à se démarquer, et propose un retour en fanfare de l’esprit du musical façon Broadway. Mieux : il se classe brillamment parmi les perles culte d’un genre plutôt casse-gueule.

 

 

Au commencement était Roger Corman. Ce producteur réputé de série B et Z avait pour spécialité les nanars tournés à la va-vite, avec des budgets minuscules, et la plupart du temps orientés vers le fantastique ou la science-fiction. En 1960, il tourne en un temps record (deux jours et une nuit !) un petit film nommé Little Shop of Horrors.  Il y raconte l’histoire d’un jeune fleuriste, et de sa découverte d’une plante qui se révéle friande de chair humaine. D’abord alimenté à l’aide de sang, le végétal va se développer jusqu’à devenir monstrueux. Le film de Corman est une curiosité, qui marqua d’ailleurs la première apparition à l’écran de Jack Nicholson.

 

 

 

 

 

 

A Hollywood, c’est connu, rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme, et l’une des modes les pluis singulières des années 80 a consisté à adapter pour Broadway des films qui n’avaient a priori rien à voir avec la comédie musicale. Le petit nanar de Roger Corman s’est donc retrouvé catapulté fissa sur les planches et, surprise, le succès a été au rendez-vous. Il ne faut donc pas longtemps au monde du cinéma pour s’intéresser au sujet et développer un projet de film dans la foulée. David Geffen, alors producteur de disques, envisage d’y associer Spielberg ou Scorcese. Ce sera finalement Frank Oz qui s’y collera.

 

Oz a connu une carrière plutôt singulière. D’abord associé de Jim Henson, le créateur des Muppets, il viendra au cinéma en co-réalisant  Dark Crystal, puis en animant la marionnette de Yoda dans Star Wars. Little Shop of Horrors est sa première véritable incursion dans le cinéma, et il s’en sort plus qu’honnêtement, même si, à travers le personnage de la plante, Audrey II, le film garde un petit côté Muppets. Il ne cherche pas non plus à s’affranchir de ses origines théâtrales (les décors sont volontairement artificiels), mais le résultat est enlevé, marrant, rythmé, et surtout les chansons sont excellentes.

 

 

 

 

 

 

Jamais en porte-à-faux avec l’histoire, les chansons de Little Shop of Horrors sont au contraire indispensables à l’histoire. Un groupe de trois chanteuses black intervient comme une sorte de fil rouge, presque comme un chœur antique pour commenter l’action, et chacun des morceaux la fait progresser, tantôt avec humour, tantôt avec sensibilité. Ainsi, Skid Row (Downtown), certainement le plus beau passage du film, est une description impitoyable mais formidablement émouvante de la vie de banlieue. Quant à Audrey II, elle parle et chante avec la voix de Levi Stubbs, le chanteur des Four Tops, qui apporte une touche soul à des morceaux comme Feed Me ou Mean Green Mother from Outer Space.

 

 

 

 

 

 

 

Le film possède également une galerie de personnages particulièrement barrés et délirants, que ce soit Seymour (Rick Moranis) ou Audrey (Eileen Greene) qui parle comme une souris de cartoon. Le top, c’est quand même Steve Martin qui vole la vedette à tout le monde dans le rôle d’un dentiste sadique. Autant je ne suis pas vraiment client des pitreries de l’acteur, autant sa performance ici est un petit régal, qui plus est soutenue par une des meilleures chansons du film, le fabuleux Dentist!

 

 

 

 

Little Shop of Horrors est moins réussi dans les intrigues secondaires et perd pas mal de son allant dans sa seconde partie, avec des chansons un petit peu moins inspirées. Les caméos de Bill Murray ou de John Candy sont aussi un peu gratuits et bordéliques. Par contre, les marionnettistes déploient des trésors d’ingéniosité pour donner vie de façon remarquable à Audrey II, qui se transforme petit à petit pour devenir de plus en plus monstrueuse. La fin est également assez décevante, ce qui quelque part s’explique un peu (voir notre encart "Autour du Film").

 

 

 

Malgré ses défauts, le film possède tout de même de quoi satisfaire largement tout amateur de comédie musicale. Hollywood ne s’y trompera d’ailleurs pas, et consacrera les musiciens Alan Menken et Howard Ashman en leur confiant les chansons de dessins animés Disney comme La Petite Sirène ou La Belle et la Bête. De fait, ils renouvellent et modernisent intelligemment le genre, tout en restant fidèle à un esprit très Broadway, qui ose l’émotion et les grandes envolées musicales.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Little Shop of Horrors n’a pas provoqué de renaissance de la comédie musicale pour autant, mais il reste une belle tentative pour faire sortir le genre d’un certain académisme. Mélanger la comédie, le film fantastique et le musical n’était pas un pari gagné d’avance, et le film s’en sort plutôt bien avec, à la clé, des personnages attachants et une B.O. impériale. Sympathique, inattendue, rigolote et parfois émouvante, cette comédie est un petit régal dont il ne faut surtout pas se priver.

 

 

 

 

 

Autour du Film 

( comme d'hab, à ne lire que si vous avez déjà vu le film..)

 

 

 

Le Trombinoscope

Tout le monde connaît Rick Moranis, qui a durablement marqué les esprits avec son personnage décalé dans Ghostbusters. La véritable révélation du film, c’est Eileen Greene, par contre. Elle n’a que très rarement tourné pour le grand écran, mais a été naturellement choisie après avoir tenu le même rôle dans la pièce d’origine. Son personnage d’Audrey est une merveille, Greene assume avec délectation le caractère nunuche du personnage et assure des parties chantées parfois remarquables (voir sa performance vocale incroyable dans Suddenly, Seymour). Tiens, d'ailleurs, puisqu'on parle de trombi, quelques trop rares films ont le bon goût d'en proposer un en guise de générique de fin. Le Strapontin ne va donc pas se brosser pour le reprendre ici. Vous noterez également que le rôle de Patrick Martin est interprété par deux personnes différentes. Non, ce n'est pas une coquille de votre blog favori, c'est juste à cause de la fin remaniée, dont on vous cause d'ailleurs juste après.

 

 

 

 

 

 

La Fin

Dans la version que tout le monde connaît, Seymour électrocute la plante et la fait exploser, puis il se marie avec sa dulcinée et coule des jours heureux, même si (tiens! tiens!), une petite pousse d'Audrey II indique que tout peut recommencer. Mouais…

 

 

Si cette fin ne vous paraît pas très convaincante, c’est normal. Elle a été refaite à la dernière minute, après que le film se soit pris une bâche durant les projections-test. La fin initiale était beaucoup plus culottée : Seymour et Audrey se faisaient bouffer par la plante, et cette dernière grandissait, se multipliait et envahissait le monde.

 

 

Aujourd’hui, grace au blu-ray, on peut enfin découvrir cette fin rejetée, qui change radicalement la tonalité du film. Du rire, on passe à l’émotion, puis à la critique sociale (la plante devient un objet de marketing), avant un final qui évoque avec bonheur les grands films de monstres façon King-Kong ou Godzilla, le tout accompagné par l’excellent Don’t Feed The Plants. Quelque part, Little Shop of Horrors revient ainsi aux fondamentaux et rend un savoureux hommage aux œuvres qui l’ont inspiré.

 

 

 

La fin reprend même l'esprit "interactif" de la pièce, où les lianes de la plante tombaient dans la salle à l'issue de la représentation. Frank Oz l'a adaptée en utilisant une astuce à la Hellzapoppin, dans laquelle Audrey II déchire l'écran et attaque le public. Une séquence formidable, qui demandera des mois de travail au spécialiste des effets spéciaux Richard Conway.

 

 

Mais malgré toute son inventivité et peut-être aussi un peu à cause d'elle, on comprend que le public ait mal digéré ce qui était tout sauf un happy end, et que le producteur David Geffen ait préféré jouer la sécurité sur un projet qui était tout de même assez risqué. Avec Little Shop of Horrors, Hollywood rentrait de plain pied dans l’ère du business et de l’étude de marché, pour le meilleur et pour le pire. Le public devenait décisionnaire, au détriment de la vision initiale du réalisateur. C’était le premier pas vers une conception plus industrielle du cinéma, un abandon de la prise de risque qui est tout de même à la base du 7ème Art. Fort heureusement, aujourd’hui, on sait aussi regarder en arrière et revisiter certaines œuvres incomprises en leur temps. Le DVD et le blu-ray permettent désormais de réhabiliter toutes ces œuvres reformatées au nom du politiquement correct.

 

 

En vidéo

Little Shop of Horrors a eu l’insigne honneur d’être un des premiers DVDs retirés de la vente. En effet, la toute première version du disque américain proposait en bonus cette fameuse fin inédite. Colère du producteur David Geffen, qui n’était pas au courant, et qui comptait bien ressortir le film avec sa première fin. Le DVD a donc été rappelé, et les quelques exemplaires qui sont passés à travers les mailles du filet se sont vite vendus à prix d’or sur eBay.
Sur le disque officiel, paru il y a quelques années, on trouvait une mini-rétrospective sur le film (avec des images de tournage), un bêtisier, des bande-annonces, et une piste musicale isolée. Le blu-ray reprend grosso modo le même contenu, moins la piste isolée, et rajoute un petit documentaire sur la fin rejetée. Un supplément très intéressant, qui donne notamment la parole à Richard Conway et où il explique comment il a plutôt mal vécu le fait de voir des mois de travail passer injustement à la trappe. L'ensemble des bonus est proposé avec sous-titrage français. Enfin, il est possible, grâce au seamless branching, de choisir quelle version on veut visionner, la version cinéma ou bien la Director’s Cut, le montage initial voulu par le réalisateur. Un must, donc, disponible pour l’instant en Import américain uniquement, mais (ouf !) lisible sur n'importe quelle platine française.  

Une Vie Meilleure

Film de Cedric Kahn (2011), avec Guillaume Canet, Leïla Bekhti, Slimane Khettabi, Nicolas Abraham, Fançois Favrat, etc...

Voila un film qui, en dépit de son titre, n’est pas vraiment fait pour le spectateur du samedi soir. Il en faut pour tous les gouts mais si pour vous le cinéma, c’est de l’entertainment et rien d’autre, et que votre idée du cinéma, c’est de l’action avec tout plein d’effets spéciaux, Une Vie Meilleure n’est définitivement pas fait pour vous. Par contre, le film s’avère être un portrait plutôt réussi d’un couple en galère, qui finit par être victime de ses ambitions et se dérive lentement vers la précarité.

A la base de l’histoire, un couple nouvellement formé (Guillaume Canet et  Leïla Bekhti) décide d’investir dans une vieille baraque qu’ils décident d’aménager en restaurant. Puis, petit à petit, les ennuis s’accumulent et finissent par les entraîner dans la spirale du surendettement et de la misère. Une Vie Meilleure nous ouvre les yeux sur une réalité hélas bien actuelle : il suffit de très peu pour se retrouver au fond du trou, juste de quelques choix pas très heureux et de rencontres qu’il aurait mieux valu éviter. En même temps, on pourra quand même objecter que le scénario accumule quand même pas mal les emmerdements et que n’importe quelle personne un tant soit peu sensée aurait vite fait machine arrière. Mais bon, on respecte le parti-pris du réalisateur, puisque son héros est têtu et jusqu’au-boutiste, et Guillaume Canet le personnifie avec beaucoup de finesse.

Sans vouloir griller la fin, le film retombe un peu facilement sur ses pattes dans sa dernière partie. On joue l’accumulation puis il suffit d’une pirouette pour que tout soit résolu : c’est un peu facile, mais quelque part, on comprend que les personnages aient mérité une porte de sortie. De Cedric Kahn, je ne connaissais que L’Ennui, qui m’avait à peine convaincu. Une Vie Meilleure est plus réussi, même si ce n’est pas vraiment le genre de film auquel on revient. Il y a même fort à parier que le spectateur lambda y regardera probablement à deux fois avant de se taper une tranche de vie aussi austère et déprimante, même si elle est parfaitement mise en scène.

L'Ile des Adieux

(Islands in the Stream)

Film de Franklin J. Schaffner (1977), avec George C. Scott, Claire Bloom, David Hemmings, Julius Harris, Hart Bochner, etc...

 

Franklin J. Schaffner a toujours été considéré, à tort, comme un metteur en scène mineur. C’est pourtant l’auteur de deux chefs d’œuvre inattaquables, je veux parler de La Planète des Singes (l’original, le seul, l’unique, d’ailleurs chroniqué sur ce blog) et de Patton. Deux véritables classiques, dans lesquels il existe malgré tout une touche personnelle indiscutable, ce qui était, jusqu’à une certaine époque, tout de même assez rare sur de gros films de studio. Ensuite, Schaffner a vivoté entre plusieurs projets plus ou moins réussis, livrant une adaptation honnête du best-seller d’Henri Charrière, Papillon, avant que sa carrière ne pique un peu du nez à la fin des années 70.

Islands in the Stream est assez inhabituel dans le paysage du cinéma américain des années 70. C’est un film « à l’ancienne », qui arrive à une époque où toute une nouvelle génération de jeunes réalisateurs révolutionne de fond en comble l’industrie et impose de nouvelles règles. Qui plus est, c’est l’adaptation d’un recueil de nouvelles d’Ernest Hemingway, publié après sa mort, à partir de manuscrits retrouvés par sa veuve. Ceci explique en partie la nature un peu éclatée de la narration, qui divise l’histoire – et du même coup le film - en trois chapitres : The Boys, The Woman et The Journey, dont le fil rouge serait le personnage de Thomas Hudson.

C’est dans la description de Hudson que le film réussit le mieux. Magnifiquement interprété par George C. Scott, il vit reclus et isolé de tous sur une petite île du Pacifique. Chacun des segments de l’histoire raconte comment il s’ouvrira au monde extérieur, d’abord grâce à ses enfants, puis à son ex-femme, et enfin par la prise en charge de réfugiés de guerre.

Des trois histoires, la plus émouvante est celle en rapport avec les trois garçons. En dépit de certains clichés dans les rapports familiaux, le film fait preuve d’une grande sensibilité dans la description des liens qui se retissent peu à peu entre Hudson et l’un de ses fils, David. Le point culminant est une séquence de pêche à l’espadon, au cours de laquelle l’enfant va jusqu’au bout de ses limites pour se montrer digne de son père. C’est une très belle séquence, même si on regrette qu’elle soit un peu gâchée par l’utilisation trop voyante d’images d’archives ou d’effets spéciaux miteux.

Les deux autres segments sont beaucoup moins convaincants. Malgré la présence de Claire Bloom, le second ne semble pas très bien savoir où il va et se perd en scènes de dialogue trop académiques. La troisième partie, qui se voudrait la plus ambitieuse, semble victime d’un manque de moyens. La mise en scène reste très fonctionnelle, un peu comme dans Papillon, et ne possède ni le souffle ni l’énergie des meilleurs films de Schaffner.

Néanmoins, Islands in the Stream est sauvé de temps à autre par de beaux moments épars, qui hélas ne forment jamais un véritable tout. Le film évoque brillamment et simplement la proximité et la menace de la guerre dans ses premières séquences, comme cet instant où Hudson et ses enfants voient couler un navire en feu sur l’horizon. Malheureusement, il est trahi par son manque de moyens lorsqu’il s’agit d’intégrer concrètement cette idée à la narration et c’est le gros défaut du film.

On ne peut cependant nier la profonde sensibilité d’Islands in the Stream. C’est ce que Truffaut avait coutume d’appeler un « grand film malade », un projet dont on ne peut remettre en cause ni la sincérité, ni l’engagement du réalisateur, mais qui manque son but, faute d’un investissement concret de la part du studio qui l’a produit. Schaffner avait coutume de dire que ses héros n’étaient pas à leur place dans leur époque. On pourrait en dire autant de son film, à contre-courant des modes, qui malgré ses imperfections, mérite indiscutablement d’être redécouvert.  

Le Trombinoscope

C’est dit, le Strapontin est définitivement fan de George C. Scott, et on applaudit donc des deux mains sa performance pleine de sensibilité. A ses côtés, on retrouve l’excellent David Hemmings et les fans de James Bond reconnaitront Julius Harris, qui campait un méchant mémorable dans Vivre et Laisser Mourir. Enfin, Hart Bochner, ici dans un de ses premiers rôles, s’illustrera bien des années plus tard dans le fameux Piège de Cristal.

George C. Scott

Claire Bloom

David Hemmings

Michael-James Wixted

Hart Bochner

Brad Savage

Julius Harris

Susan Tyrell

La Musique

L’un des éléments essentiels du film, c’est la superbe partition musicale de Jerry Goldsmith, qui se classe aisément parmi ses chefs d’œuvre. Ses collaborations avec Franklin J. Schaffner ont toujours donné lieu à des œuvres hors-pair, sans doute parce que le réalisateur comprenait l’importance de la musique et savait lui donner la place qu’elle méritait. Le compositeur a souvent avoué en interview que la musique d’Islands in the Stream était une de ses préférées.

Au-delà des points faibles du film, Goldsmith insuffle avec brio une profonde émotion et un souffle qui manquent souvent dans la mise en scène. Très variée dans son inspiration, mais très classique dans sa forme, la partition contient des moments forts, tels le sublime morceau The Marlin, qui fait près de 12 minutes. Longtemps restée sur les étagères de la Paramount, la partition avait été réenregistrée par le compositeur lui-même, dans une version qui, si elle était plutôt bonne, n’égalait pas l’original. Le label Film Score Mothly a utilisé les masters originaux pour sortir l’édition définitive il y a deux ans. Bien que s’agissant d’un pressage limité, elle est toujours disponible sur le site du label.